OBSESSION: Dust Furniture

Si tuviese que elegir una película de mi infancia, sin duda sería Alicia en el País de las Maravillas, y es por eso que Dust Furniture, me ha dejado fascinada. Sus muebles están llenos de fantasía!

Esta colección diseñada por Vincent Thomas Leman, nos transporta a un mundo mágico. Hechas de madera de primera calidad, cada pieza está hecha a mano en Valparaiso, Indiana, y se describe como una colección de “muebles tradicionales abstractos”.

Su diseñador, creció prácticamente creando muebles. En principio sus diseños eran de muebles finos clásicos, hasta que un día decidió dar un giro radical y transformar lo tradicional en divertido, con singulares formas y vivos colores.

Dust Furniture en principio se vendía como piezas únicas e irrepetibles, pero debido a la demanda de los fabricantes, Vincent Thomas Leman no tuvo más remedio que ceder. Aunque sólo se vende de momento en EE.UU. si te gusta alguna pieza puedes adquirirla en Etsy.

Para mi gusto, son muebles ideales para el cuarto de los niños, o para los que se atrevan a llenar de vida algún rincón de la casa. Aunque algunos muebles por su forma puedan parecer de poca utilidad su impresionante estética lo completa, simplemente, me encanta… A puntito estoy de gastarme el sueldo!

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OBSESSION: Lámpara White/Black

Winnie Liu, con solo 26 años y de origen Hong Kong, es una chica con mucho talento. Después de graduarse del Saint Martins ha diseñado joyas, trabajado como estilista y fotografo, y ahora está superactual con su lámpara White/Black de edición limitada para la empresa Innermost.

La lámpara se compone de diversos objetos, de la vida cotidiana o imaginaria, y cada pieza está seleccionada con mucho cuidado por la diseñadora misma.

White/Black está inspirado en el dadaísmo y Marcel Duchamp, quien utilizó “found art”, es decir objetos de la vida cotidiana utilizados en el arte.

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OBSESSION: Lámpara Arco.

Sin duda uno de los diseños más emblemáticos del pasado siglo y una muestra de ingenio difícil de superar. La Arco es una lámpara de pie diseñada por Achille Castiglioni en 1962 que cobra las funciones de una lámpara de sobremesa. Un amplio y majestuoso arco de acero que se sostiene desde una magnífica peana de mármol de Carrara, se remata con un difuso luminoso de acero de forma esférica que remata el conjunto con elegancia.

La lámpara es discreta pero impone su presencia geométrica en cualquier estancia y además adquiere una capacidad expresiva inaudita centrada en la curva que describe el gran brazo de acero. La lámpara Arco es una pieza que nunca pasa de moda, que reúne lo mejor del diseño racionalista del gran creador italiano.
La intención original de su peculiar forma era iluminar una mesa manteniéndose al menos a 2 m. de distancia para no molestar a los comensales, proyectando la luz desde arriba y a la vez ser móvil sin estar condicionada a un punto fijo como las lámparas de techo.

El arco es regulable pudiendo llegar hasta los 2,20 m. y la altura de la pantalla es de 2,32 m., al tener una base de mármol es bastante pesada (65,9 kg.), por lo que tiene dos orificios para introducir una barra y así moverla entre dos personas.
La tulipa de la lámpara, conserva la línea curva que define la totalidad del diseño, una tulipa semi-esférica realizada el aluminio.

La lámpara Arco ha sido reproducida por diferentes firmas que han cambiado la base, las dimensiones y el color haciendo de este diseño una pieza que se pueda incorporar en cualquier casa actual, ya que se trata de un diseño que no pasa de moda.
En el diseño original el pie de acero en forma de arco esta sostenido por una base de mármol de Carrara que hace de contrapeso.
Se han realizado algunas colecciones con una base de un mármol diferente, de color negro, pero estas han sido siempre en ediciones limitadas.

La lámpara Arco aporta al espacio en el que va colocada una importante luz directa, pero sobre todo, cumple una misión decorativa. Rellena el espacio en el que se sitúa y pone un toque de elegancia y distinción.
Puede actuar como una lámpara de techo pero con la ventaja de que no debe estar colocada en un punto fijo. Hoy en día la podemos encontrar tanto en comedores, como en cualquier otro ambiente.
Actualmente está producida por la firma italiana Flos y su precio ronda los 1.500 euros.

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TETE A TETE: Joost de Bleeckere

Joost de Bleeckere, un artista Belga habitado en Madrid. Acaba de examinarse del IED como Diseñador de Interiores aunque no le gusta las etiquetas ni elejir entre ser un artista o un diseñador. Dice: “Que diferencia hay? Dicen que el diseño tiene que ser funcional, el arte no”.

Este verano tuvo una exposición sobre el tema “AGUA” en el pavellón Belga del Expo Zaragoza. Fue una instalación de telas de 3 metros colgados del techo, llamado “Inmersion”.
Estas telas, que llenaban toda la sala, fueron teñidas en distintos tonos de azul y creaban un paisaje marítimo.

“Sus diferentes tonos de azul evocan un paisaje marítimo. Quiere ser un paseo por las olas, una vez tranquilas, y otra vez impredecibles. Es una invitación a sumergirse y caminar por el azul más profundo de los océanos. Al mismo tiempo es una crítica rotunda sobre cómo tratamos al bien más precioso de esta tierra: el agua.
La forma de tender las telas refiere a la manera irresponsable de usar este recurso natural, como si estuviéramos “secando” a nuestro planeta.”

En que te inspiraste haciendo esta exposición y cual fue el motivo de que usaras telas?
Antes que nada quería llenar el espacio enteramente. No quería ocupar las paredes, lo cual en muchas exposiciones es el caso. He tratado de componer algo con mucho más cuerpo, que ocupara y fuera el centro del espacio.
Como el tema de la Expo Zaragoza era AGUA, me planté de traer mucha agua... Entonces, qué hago? Instalo un acuario? Que el recinto de la Expo ya tiene uno! Me inspiré en las profundidades de los océanos. Me preguntaba cómo sería de caminar en el fondo del mar.
La idea fue de crear una instalación que se moviera. Así que las telas se prestan perfectamente para este fin. Se balancean al más ligero soplo de viento. Las telas pueden representar las algas marinas que se mueven en las olas.

Cuanto tiempo tardaste en madurar tu idea para la exposición?
Ya no me recuerdo cuántas noches pasé sin dormir...

Despues de una exposición como la que hiciste, que se hace con el material?
Los percheros ahora sirven para colgar la ropa en mi casa...Las telas, me puedo imaginar tantas aplicaciones.

Tienes ganas de continuar desarrollando ésta idea, o prefieres pasar a otra técnica?
Creo que la idea no se acabó con la Expo. Se puede transponer a otros temas. Me gustaría repetirla, yendo aún más grande, en un espacio mucho más amplio, sea con otros colores, y mucho más alto, experimentando con nuevas dimensiones, texturas, transparencias.
La técnica de bañar telas en pintura me atrae mucho por los resultados inesperados. Cada pieza es única. Si, me gusta el acto de la creación, el proceso en sí.

Diseño o arte, pintas, trabajas con tejidos, ropa, muebles, interiores. En que campo disfrutas mas?
Difícil esta! La pintura siempre me ha gustado. Pero el diseño también. Y los tejidos. Cambia el interior de mi casa cada 2 o 3 semanas. Se trata de expresar, de crear. Creo que no podría limitarme a una sola disciplina.

Tienes alguna obra en mente para el futuro y te queda algún sueño grande por realizar?
Si quieres te enseño mis carpetas de "Cosas Pendientes"...
Me gustaría un día ocupar una nave del Matadero de Madrid.
Diseñar la escena para una obra de C. de la B. (Compañía de Danza de Bélgica)
Proyectar un evento-instalación en la playa de Zipolite, México
(el resto de la lista, la mando a los Reyes Magos)

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COLLAGE: La cúpula de la ONU, por Miquel Barceló

El artista Miquel Barceló nacido en Mallorca en 1957 se encontró con el mayor reto de su carrera en septiembre de 2007: pintar la cúpula de la Organización de Naciones Unidas de Ginebra.

El proyecto en principio asustó al mallorquín que se abrumó al encontrarse con 1400 metros cuadrados para su proyecto. Según sus propias palabras, Barceló quería “llevar la pintura a sus límites físicos” y el resultado fue impresionante.

El proyecto incluía la construcción de una estructura primaria de aluminio y una secundaria de lienzo reforzado que sirvió de soporte para las sucesivas cargas de pintura de silicio de la obra.

Costó 35000 kilos de pintura y nueve meses de trabajo en los que contó con un equipo de profesionales compuesto por 12 ó 15 personas, terminar la cúpula de la ONU.

La intención fue crear un mar revuelto, visto desde abajo y llenos de vivos colores. Su atractivo principal es que puede ser mirada desde distintos puntos de vista sin que prime ninguno, algo que Barceló relaciona con el mundo, multicultural y en el que todos somos iguales.

Aunque se compara esta obra con la capilla Sixtina (cosa que abruma al artista), la realización de este proyecto ha sido polémica hasta su inauguración el pasado 18 de noviembre. Ya que, aunque el arte no tiene precio, los 20 millones de euros que ha costado la remodelación de la sala XX de la ONU donde se sitúa la cúpula, asustan a cualquiera.

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VINTAGE: George Nelson.

En 2008, el diseñador norteamericano George Nelson (1908-1986) hubiera cumplido 100 años. Por este motivo, el Vitra Design Museum organiza la primera amplia retrospectiva de su obra. Nelson, que estudió arquitectura en la Universidad de Yale, fue una de las figuras más significativas del diseño americano de la segunda mitad del siglo XX.

Nelson fue un artista que abarcó muchos ámbitos: fue diseñador de productos y diseñador gráfico, arquitecto y organizador de exposiciones, y también prestigioso gestor y promotor del diseño. Como crítico y teórico del diseño creó una obra bibliográfica extraordinariamente amplia que influyó notablemente en el discurso internacional del diseño y la arquitectura durante varias décadas.

En su despacho se han creado clásicos del diseño moderno de muebles e interiores: la silla Coconut (1956), el sofá Marshmallow (1956), el reloj Ball Clock (1947), las lámparas Bubble Lamps (desde 1952) y la Action Office (1964). En sus numerosos ensayos sobre el diseño reflejó, como ningún otro diseñador, las condiciones de trabajo, las tareas y objetivos de su oficio, que seguía formándose durante la mitad del siglo XX. La idea que tiene Nelson del diseño como sistema, su enfoque de salirse fuera del simple modelado y pensar siempre en una relación más amplia, así como su contribución a la transmisión del diseño, hacen que su obra parezca hoy en día nuevamente de gran actualidad e interesante.

En los años 50, George Nelson y su estudio de Nueva York desarrollaron una serie de sillas y sillones individuales muy expresivos, algunos de los cuales se convirtieron rápidamente en clásicos.
Antes de su conocida Coconut Chair o del Marshmallow Sofá había diseñado ya en 1952 una silla de madera contrachapada designada al principio simplemente como “Laminated Chair”. Fue la forma atrevida a la vez que elegante del respaldo y los reposabrazos la que pronto proporcionó a la silla su apelativo de Pretzel Chair, haciendo referencia al pan de origen alemán de dicho nombre.
A causa de técnicas de producción insuficientes, al cabo de pocos años la Pretzel Chair fue retirada del catálogo, por lo que actualmente constituye un objeto de coleccionista.

Con motivo del centenario del nacimiento de George Nelson, Vitra vuelve a presentar La Pretzel Chair, uno de sus diseños más conocidos, en una edición especial Anniversary Edition limitada a 1.000 unidades.
Para el amante del diseño merecerá la pena visitar el Museo Vitra y contemplar las creaciones de Nelson, un personaje polifacético donde los haya que definiría el buen diseño como “una manifestación de la habilidad de la mente humana al ir más allá de sus propios límites, para descubrir todavía más”.

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ESPACIOS: Icehotel

El Icehotel está conocido en todo el mundo por su concepto único, su arte magnífico y sus experiencias excepcionales.

En el pequeño pueblo Jukkasjärvi, norte del Círculo Polar, se reúnen en Noviembre cada año un equipo internacional de arquitectos, diseñadores y artistas de nieve. Bajo la dirección del grupo Icehotel Arte y Diseño crean juntos el Icehotel, un hotel de hielo!

Existen 3 tipos de habitaciones, desde muy sencillo hasta una verdadera obra de arte! Siempre durmiendo en camas hechas de nieve y hielo, en un saco de dormir, encima de piel de reno. La temperatura está entre -5 y -8 bajo cero.

En el hotel se encuentra una iglesia de hielo que cambia diseño cada año y el Icebar, un bar de copas creado por la empresa Absolut Vodka, que también se puede encontrar en Estocolmo, Londres, Tokio y Copenhague. Tomando la bebida en copas de… hielo. Por su puesto!

Los visitantes vuelven a casa con el sentimiento de haber sido parte de un cuento y seguramente será una noche para recordar para siempre.

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ICON: Hiroshi Tsunoda

Hiroshi Tsunoda es un reconocido diseñador nacido en 1974 en Tokio, Japón. A muy pronta edad decidió que quería trabajar con sus manos, y así cuando creció fue rumbo a Nueva York con el propósito de ser un Diseñador Industrial.

En Nueva York desarrolló su técnica y definió su estilo: simple, minimalista y de líneas retro futuristas. Una vez estudió diseño industrial en el Rhode Island School of Design fue trabajando en las mejores ciudades del mundo, aumentando su reconocimiento internacional.

Así, viajando, llegó a Barcelona, donde decidió quedarse y donde tiene su estudio y residencia a día de hoy. Sus peculiares diseños le han dado una fama mundial que le ha llevado a ser considerado uno de los diseñadores más talentosos del panorama internacional.

Sin embargo, uno de sus mayores logros es la creación de la marca Design Code junto con Lincoln Robbin-Coker, también afincado en Barcelona. Esta marca, basada en productos simples y geométricos, fabricados íntegramente en Barcelona a base de materiales reciclados, principalmente plástico y papel.

Así por ejemplo, tenemos la lámpara Flamp, icono de Design Code, que se basa en un cuerpo formado por una caja de carton, de las que se usan para el transporte de botellas. En su interior tenemos la bombilla y el cable, por lo que además de ser una lámpara ecológica, es transportable.

Esperamos que con esta marca Tsunoda llegué a la cumbre y aunque sus diseños hayan sido expuestos dos veces en el Salon Satellite de Milán, logre un reconocimiento aún mayor si es posible.

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FOCUS: Alfombras Gandía Blasco

En sus inicios, a mediados de siglo XX, Gandía Blasco se dedicaban a la fabricación de colchas y mantas, pero en los años 80 la compañía decidió reorientar su oferta de productos hacia la producción de alfombras y productos de textil-hogar. En pocos años se convertía en una de las firmas españolas con más prestigio y reconocimiento.

Sus alfombras se fabrican en India mediante la técnica Tufting, de forma artesanal, con materiales naturales y sin el uso de mano de obra infantil.
Gandía Blasco ofrece un sinfín de modelos de diferentes texturas, estampados y tamaños.
Cada modelo se mimetiza perfectamente con el entorno que las rodea, ese ambiente peculiar en el que sus creadores las imaginaron.

La lista de diseñadores es larga y de prestigio (Patricia Urquiola, Francesc Rifé, Pablo Gironés y Marc Krusin son algunos de ellos)

José Gandía es otro de sus diseñadores y en este caso hemos elegido alguna de sus obras por ser, a nuestro entender, de las más originales y divertidas.
José Gandía recrea en cada una de sus alfombras entornos específicos. Por ejemplo se atreve con el diseño de un jardín de margaritas (6 margaritas blancas) sobre un fondo ocre, o con la alfombra 60’s, donde revoca aquella maravillosa época.

Nuestra favorita es una alfombra de 4 metros por 90 cm. Negra de lana virgen y con el reverso de algodón. La ilustración reproduce la medición de una regla, de ahí su nombre, Metro. Esta y otras tantas son alfombras que se convertirán en las delicias de los niños de la casa, ¡y de más de un adulto!

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OBSESSION: Pottery Barn - ropa de cama

Pottery Barn es una cadena de muebles y cosas para el hogar con 200 tiendas en Estados Unidos y Canada. A mi simplemente me encanta éste estilo Norte Americano y su ropa de cama es una pasada. Estas camas King Size con 3000 cojines y grandes edredones gaaaaah me entra unas ganas de acostarme y nunca más levantarme! Porque no tengo un dormitorio asi?? Digo como los Americanos: Big is Beautiful!

Aqui hay unos ejemplos preciosos:








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OBSESSION: Diseño Líquido

Máximo exponente del diseño industrial en estado puro, es el estudio japonés Kyouei Design. Manteniendo la elegancia japonesa, este estudio se caracteriza por sus originales diseños, aunque hoy nos centraremos en lo más reciente: el diseño líquido.

Dentro del diseño líquido encontramos dos productos: una lámpara y un marca páginas. La lámpara, hecha de metal, se presenta en 3 modelos. Una lámpara de mesa, un aplique de pared y una lámpara colgante.

Impresionante el efecto del diseño sólido con apariencia líquida, así cuando vemos estas lámparas nos dan la impresión de que se están derritiendo.

El marca páginas en cambio está hecho de silicona, aunque de igual apariencia que la lámpara, parece q se derrite a lo largo del libro.

Cada uno de ellos están hechos a mano y uno a uno, por lo que cada diseño es un diseño absolutamente único, que nos presentan en tres colores: gris, rojo y blanco.

Por tanto, Kyouei Design nos ha demostrado una vez más su gusto especial y un distintivo estilo que refleja en todos y cada uno de sus diseños, destacando entre otros estudios por su indudable originalidad.

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