TRÍFORA

ESPACIOS: Terrazas de verano y vacaciones!!!

2009-07-01T16:16:00.012+01:00

La noche de San Juan nos ha recordado hace solo unos días que el verano ya ha llegado para quedarse durante un buen periodo.

Es el momento de abalanzarse a las terracitas de verano donde tan buenos ratos podemos pasar y disfrutar de sus cómodos sofás al aire libre, de sus tumbonas, sus agradables espacios de sombra bajo las más novedosas sombrillas. Es el momento idóneo para que Trifora te haga una guía especial sobre sus terrazas de verano favoritas y te invite a disfrutar de ellas durante el ya presente verano.

Y el equipo Trífora no podía ser menos así que estos días estaremos ausentes, disfrutando de nuestras ganadas mini vacaciones.
Pero no os alarméis, volveremos en 10 días, exactamente el lunes trece de Julio, cargaditas de nuevas propuestas decorativas, de esa información que buscas cuando tecleas trifora.tk.
Dentro de sólo diez días llegaremos con las últimas tendencias, productos, materiales, ferias y todo lo que quieras saber sobe diseño.
Por el momento te dejamos una lista de algunas de nuestras terrazas favoritas, no te las pierdas y cuéntanos cómo disfrutasteis de ellas a la vuelta de las vacaciones.
¡¡¡Felices vacaciones!!!!!

1. L´Umbracle, en las Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia.

2. Bataplán, en San Sebastián.

3. Achill, en Alicante.

4. Terraza del Hotel Florida, en Barcelona.

5. Sotavento Club, en Las Palmas.

6. Penthouse Me, en Madrid.

7. Budweiser Terraza, Las Palmas.

ICON: ADDI.

2009-06-30T00:01:00.000+01:00

El ingenio, la innovación, las ganas de sorprender y divertir a los usuarios son la clave del éxito del joven estudio de diseño ADDI. La búsqueda del cambio y una visión diferente de objetos del día a día son los factores clave que guían al estudio a la hora de concebir sus diseños.

Johan Malmqvist, Andréas Karlsson y Eric Therner son los fundadores de ADDI.

Desde Suecia realizan la mayoría de sus trabajos de ingeniería, mobiliario, diseño de producto, de iluminación e incluso de transporte.
El grupo cree que para ser diseñador hay que empezar observando y buscando pacientemente el cambio, ya que solo de esta manera se consigue desarrollar creaciones innovadoras capaces de sorprender al usuario más escéptico.
Sus diseños ya son merecedores de uno de los más prestigiosos premios en este sector, el Red Dot en la categoría de mejor concepto de diseño por la percha Stick To Me. Además también tuvieron su Mención de Honor en el Primo Vico Magistratti, concurso para la firma DePadova, gracias a su librería Billys Brother, un híbrido entre estantería propiamente dicho y escultura. La peculiaridad de esta librería es que sus estantes se desplazan como una ola en movimiento, creando así un alto grado de expresividad y un inesperado contraste entresuelo y pared.

Otra de sus creaciones es Piano, un diseño que actúa como aparca bicis y como banco al mismo tiempo, de una manera realmente competente. El producto se define por sus ángulos de 90 grados, que crean un interesantísimo contraste con el entorno.

Otro divertido mueble firmado por el estudio es Toast, un sofá ideado para espacios públicos con el propósito de poder ofrecer asiento tanto a mayores como a niños. Su esculturidad convierte a la pieza en una obra de arte que ofrece una visión interesante desde diferentes puntos de vista.

Y de esta manera original y divertida de ver el diseño encontramos muchos más diseños que llamarán nuestra atención. Te adjuntamos algunas imágenes más para que te hagas una idea de la forma de trabajar de ADDI.

OBSESSION: Cara nueva para tu nevera.

2009-06-28T11:50:00.003+01:00

Hace tiempo que vengo oyendo hablar de una solución para viejas neveras que aún funcionando a las mil maravillas han pasado a la historia por su diseño. Y aunque está de moda lo vintage y la firma Smeg se ha hecho de oro con sus diseños con reminiscencias a las antiguas neveras de formas redondeadas probablemente no sea el caso de las miles de neveras español de puertas amarillentas o cascareadas.

Así que teniendo estas pequeñas cosas en cuenta me parece una solución ideal la que propone la web DecoraPhotos.
El típico imán de nevera, tan idealizado para unos y tan odiado por otros, ha crecido de manera desproporcionada hasta cubrir por completo el electrodoméstico.
Las opciones son infinitas y la personalización total: puedes optar por la foto en la que más favorecida salgas, los garabatos de tu retoño, un extracto de un libro que te guste o incluso tu propia huella dactilar, al más estilo CSI.

Lo único que tienes que hacer es escoger entre su selección u subir tu imagen y en tan sólo 10 días tendrás tu mega imán a la medida exacta de tu nevera.
Para que te hagas una idea el precio de una nevera común de 180x40 es de 83 euros.

COLLAGE: Showroom Clickon.

2009-06-26T11:15:00.004+01:00

Existe en Terraza, Barcelona, un lugar donde las mejores firmas de iluminación se reúnen para darse a conocer en el amplio mercado de la capital. En amplio showroom que la firma Clickon tiene en la ciudad está dirigido tanto a profesionales del mundo del diseño y el interiorismo, como a particulares en busca de una lámpara ideal para un espacio en concreto.

El espacio cuenta con profesionales en materia de iluminación que saben cómo ofrecer asesoramiento a la hora de realizar proyectos. Realizan estudios lumínicos detallados de manera que se barajan todas las opciones posibles y se ofrece una relación de los productos adecuados a las necesidades del cliente.
La tienda también da lugar a presentaciones de nuevas creaciones de grandes firmas. Este ha sido el caso de Flos, que ha aprovechado el showroom para enseñar al público todas las creaciones de este año.

Este tipo de presentaciones de llevan a cabo con el fin de acercar a los clientes las últimas novedades en iluminación y así abrir nuevos mercados de trabajo.
Para más información www.clickon.cat

FOCUS: Mesa Magic.

2009-06-22T22:14:00.003+01:00

La firma valenciana Punt Mobles acaba de reproducir un modelo de mesa que ya hace unos años proyectara el diseñador Vicent Martínez. Magic es el nombre de este ingenioso modelo que por sus posibilidades, su capacidad de ocupar poco espacio en momentos oportunos y su estética depurada ha sabido buscarse un lugar en el mercado actual.

Se trata de una pieza realizada en madera de nogal disponible en acabado natural o wengué.
Lo curioso de la mesa es que plegada en vertical ocupa poquísimo espacio y abierta ofrece servicio hasta para 8 comensales, cómodamente colocados.

Se convierte así en una opción interesantísima en una época en la que los pequeños apartamentos urbanos precisan de muebles polivalentes y poco aparatosos.
Si te interesa acude a Punt Mobel y adquiérela por unos 1060 euros.

TETE A TETE: Margot Viarnés.

2009-06-20T19:12:00.005+01:00

Es creativa, pasionaria y se desvive por su trabajo, lo que la lleva a moverse como pez en el agua por ambientes tan dispares como el diseño industrial, el interiorismo o la creación de mobiliario a medida. Es capaz de plasmar un universo propio en cada proyecto, dotándolos de personalidad y singularidad. En esta entrevista que extremos de una concedida a la revista Casa Viva, Viarnés nos descubre sus sentimientos y reflexiones sobre diseño.

¿Cómo decidiste que harías del interiorismo tu profesión?

Mi familia ha jugado un papel muy importante y esto se relaciona con la idea de que la creatividad es muy amplia y los oficios relacionados con ella son muchos. Mis abuelos por parte de padre, tenían un restaurante y además apoyaban a muchos pintores y artistas, lo que me introdujo en el mundo del arte, la cultura y la creatividad.

La escuela Elisava fue uno de tus primeros pasos a nivel de formación.

Mi padre fue el que descubrió lo que era el diseño por que en aquel momento solo se hablaba de arquitectura, aparejadores y delineantes. Le estoy profundamente agradecida por que con 17 años me mostró el camino hacia el mundo del espacio, no de la arquitectura, en Elisava. Allí encontré gente extraordinaria, como el director Jordi Roura. Descubrí que me apasionaba el objeto, como se fue una pequeña escultura. Inconscientemente cuando proyectaba, en el momento en el que tenia resuelto el espacio me iba al objeto.

Con solo 24 años abres tu primer espacio, ¿Qué supuso para ti dar este paso?

Lo abrí en mi casa, después de haber trabajado en 3 estudios, con mucho miedo pero también coraje. Lo monté con dos caballetes y un conglomerado y fueron 8 años trabajando muy duro. Me gustaba muchísimo el diseño industrial pero durante 5 o 6 años no se me abría ninguna puerta, porque no tenía un nombre. Una persona que me ayudo muchísimo y a la que hoy considero mi amigo del ama es Gabriel Teixidó.

¿Cómo fue la primera entrada en el mundo del diseño industrial?

Con la carpeta bajo el brazo. Rossend Cortés y yo, que trabajábamos juntos en mi casa, ofrecíamos nuestro trabajo a empresas de publicidad para ver si salían trabajos públicos. Por otro lado, yo cogía listado de empresas que en aquel momento estaban en el FAD. Al final decidí que iba a la ultima fabrica y me presente en Concepta, allí el señor Jané me dio la primera oportunidad para diseñar, en tiempo de crisis, una silla muy sencilla.

¿De esa oportunidad nació la silla Crisis?

Si. Pensé que como aún no tenía un nombre tenía que hacer una silla sencilla, sin ostentaciones ni ambición, pero que se vendiera bien. Funcionó, hicimos 6 o 7 colecciones más y la verdad es que a partir de ahí se fueron abriendo, muy lentamente, otras fabricas.

Entonces se puede considerar un premio a la perseverancia.

Esto es muy importante que lo sepa la gente que empieza. En el mundo creativo, cuando piensas en abandona, lo mas importante es creer en ti. Yo tuve el apoyo total de mi familia y de mis mecenas, Gabriel Teixidó, que tenía una madurez profesional de la que yo carecía. No quiero ser dramática pero esta es la realidad, no regalan nada.

¿Cómo definirías el estilo de tus proyectos de interiorismo?

Intento hacer cosas intemporales en un mundo en el que todo se quema muy rápido y me gusta trabajar en mi estudio sobre un producto que si el cliente no quiere, no pase nunca de moda.

Interiorista, diseñadora de mobiliario a medida, diseñadora industrial, directora creativa y gerente del show room que lleva tu nombre. ¿Con qué faceta te sientes más identificada?

La industria es un reto fantástico, por que hay mucho producto en el mercado y hacer otro nuevo que se venda bien y que encaje en la fábrica es un desafío. Por otro lado, cuando un cliente te comenta lo a gusto que esta en la casa que has proyectado es muy satisfactorio. Me temo que no puedo escoger. Me alimento de todos los campos.

COLLAGE: Bansky

2009-06-19T14:28:00.000+01:00

Tanto hemos hablado de arte urbano en Trífora, que sin duda, ya era el turno de Bansky. Bajo este pseudónimo se encuentra el artista del graffiti más famoso, admirado, perseguido y criticado.

Aunque poco se sabe de su identidad, a día de hoy se puede afirmar que Bansky es inglés y se calcula que nació hacia 1974 en algún lugar cercano a Bristol. Su nombre está asociado a la modernidad y la reivindicación, con una obra que abarca la política, la cultura pop, la moralidad y las etnias.

Su técnica es principalmente basada en la escritura y el graffiti, pero también usa plantillas y estarcido en algunas ocasiones. Bansky se autodefine como un vándalo profesional.

Su obra se puede disfrutar en varias partes del mundo, pero principalmente en Londres, donde inició su carrera entre 1992 y 1994. Carrera que hoy, le ha llevado a trabajar para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas privadas como Puma y Mtv.

En la actualidad, se encuentra exponiendo en el museo de Bristol hasta el 31 de Agosto, con entrada gratuita. A pesar de que ya había expuesto en países como EEUU e Israel, esta exposición se ha llevado con gran secretismo sin haberse publicitado hasta su apertura.

Cuán irónico resulta que hoy el gobierno subvencione una exposición de un artista que, años atrás fue perseguido por su “vandalismo callejero”. Y lo más sorprendente es sin duda, que alguna de sus obras esté hoy en día en manos de celebridades de la talla de Brad Pitt.

Bansky sin duda ha conseguido hacer historia gracias a un trabajo con grandes dosis de ironía, originalidad, reivindicación y sobretodo talento.

VINTAGE: Kenzo Tange

2009-06-18T11:15:00.008+01:00

Como le pasara a muchos otros arquitectos Kenzo Tange no tenía intenciones de convertirse en arquitecto, hasta que lo cautivó la obra de Le Corbusier, e ingresó en la Universidad de Tokio.

En 1946 se convirtió en profesor de dicha Universidad. En esta época se le encarga la reconstrucción de Hiroshima.

Su obra se inscribe en la situación histórica del Japón de su tiempo. A fines del siglo XIX, Japón experimentará un cambio en sus tradiciones. A partir de 1866 el arte y arquitectura japoneses impactan a los europeos. Simultáneamente, Japón se ve conmovido por la influencia norteamericana y europea. La arquitectura japonesa comienza a adoptar el estilo constructivo de occidente, y a principios del siglo XX, se encargan edificios modernos.

Aparece entonces una generación de arquitectos modernos japoneses, entre los cuales figura Kunio Maekawa, quien será maestro de Kenzo en su época inicial.
Los primeros diseños de Tange tienen una fuerte influencia japonesa, pero paulatinamente irá adoptando el estilo internacional, convirtiéndose con el tiempo en uno de sus mayores impulsores.

Del diseño internacional tomará el concepto de orden estructural claro y definido. De Le Corbusier el concepto diseño urbano y la combinación de diseños sencillos y racionales en los edificios.

Existe una preferencia por el uso del cemento en fachadas y el empleo de las azoteas como quinta fachada, en los cuales se nota la influencia de Le Corbusier.
Sus proyectos reflejan la convicción de que la arquitectura debe llegar al corazón, sin olvidar la lógica que debe estar presente en los espacios, formas y aspecto.

Tange sostiene que el diseño de nuestro tiempo debe combinar tecnología y humanidad.
Uno de sus principales aportes estuvo en mostrar la validez que el cemento tiene como material aparente. Lo cual llevó a que aún hoy en día continúen empleándolo muchísimos arquitectos, estando de plena actualidad.

Su original tratamiento de las plantas, audaz al mostrar los apoyos, enormes columnas que contienen las áreas de circulación, la sectorización de sus espacios, constituyen parte de la herencia que este maestro nos dejó.

Sin duda se trata de uno de mis arquitectos favoritos, aunque cabe decir que la arquitectura japonesa en general me fascina ya de por si. Kenzo Tange es, desde mi humilde opinión, una fuente de inspiración, una forma de corroborar que lo tradicional y lo vanguardista puede fundirse sin abandonar el diseño vanguardista.

En el 2005 moría Tange, pero para la posteridad quedaran muchas de sus obras.

ESPACIOS: Overeasy Bar & Diner

2009-06-17T15:21:00.003+01:00

Las clásicas cafeterías de hamburguesas, batidos y tarta de manzana son un icono en la sociedad americana. Pues bien, estas cafeterías de los 50 y 60, tienen una nueva versión en Fullerton, Singapur, el Overeasy Bar & Diner.

El diseño viene de la mano de los mismos responsables del restaurante The White Rabbit, del que hablamos hace semanas en Trífora, el estudio Takenouchi Webb. Overeasy fue inaugurado en Diciembre de 2008 y desde entonces no ha parado de servir cenas y desayunos americanos.

En el interior nos encontramos al entrar con el bar, donde se sirven una gran cantidad de cócteles. El diseño de éste da una sensación fría gracias al hormigón del suelo y la barra, acompañado por un cartel de neón típico de los “diners” americanos.

Sin embargo, la zona del comedor es más acogedora y se distingue visualmente por la diferencia de pavimento, usando la madera tanto en el suelo como en las paredes. El mobiliario es simple y un poco vintage, destacando los sillones rojos típicos de las hamburgueserías en las películas de antaño.

Además si nos fijamos, podemos observar que en una de las paredes se sitúan unos relojes diseñados por George Nelson en 1948, de los cuales también hemos hablado en nuestro blog y que en la actualidad los fabrica Vitra.

Así mismo, el Overeasy también tiene una zona al aire libre ideal para tomarse unas copas tras el trabajo y desconectar.

Un bar-restaurante con encanto, que hace un guiño al pasado de las cafeterías y las trae al presente como un concepto moderno, vibrante y refrescante.

ICON: Sir Norman Foster.

2009-06-16T11:29:00.014+01:00

La arquitectura es memoria, espectáculo, identidad, ideología... Y en casos como el de Norman Foster, gloria y ambición. Es uno de los proyectistas más influyentes del mundo. Dirige un estudio de más de 1.000 profesionales repartids por el mundo, y tiene casi 300 obras en ciudades de los cinco continentes.

Dicen los que colaboran con él que es un trabajador incansable, obsesivo, perfeccionista. Supervisa cada una de sus obras, conoce de memoria hasta las medidas de las planchas de acero utilizadas en los acabados…

Algunos de sus edificios forman parte de las obras maestras de la arquitectura de las últimas décadas. Su arquitectura es sofisticad, delicada y rotunda.
Un buen ejemplo, casi a modo de detalle, es la elegancia de la torre de comunicaciones de Collserola, su primera intervención en España, realizada en 1991 con motivo de los Juegos Olímpicos de Barcelona 92.

Torre Collserola.

Y de entre sus más ambiciosos proyectos por aquí, destacan las sedes del Tribunal Superior de Justicia de Madrid y de la Audiencia Provincial, dentro del 'perímetro' del Campus de la Justicia.
En 1999 recibió el Premio Pritzker. Reconocimiento a 40 años trabajos constructivos. Una aventura vital y profesional que comenzó en un suburbio de Manchester, Levenshulme, donde nació en 1935.

Aldar central Market.

Su primer proyecto profesional fue una fábrica en Wiltshire (sur de Inglaterra) en 1966. Al año siguiente fundó, junto con Wendy Cheesman, Richard Rogers y George Wolton, el estudio Team 4 que en 1999 pasó a llamarse Foster and Partners. Con él ha creado sus mejores proyectos, como las oficinas aseguradoras Willies, el Centro de Artes Visuales Sainsbury (Norwich, 1978) o el Banco de Hong-Kong y Shanghai (Hong-Kong, 1986).

Ayuntamiento de Londres.

Hoy en día Foster defiende como nadie el estilo 'high tech' (alta tecnología), que compatibiliza el diseño tecnológico con la integración en el medio ambiente y la comodidad para el usuario. Según sus propias palabras, vivimos «un cambio de época» en el que el papel del arquitecto debe «transformarse y adaptarse para construir ciudades sostenibles, de lo contrario se convertirán en dinosaurios»

Aeropuerto de Beijing.

Además, su obra se expone en las colecciones permanentes del MOMA de Nueva York y del centro Pompidou de París.

Bodegas Faustino.

La personalidad de Foster se muestra mucho más compleja que la de un potente creador de modas arquitectónicas. La claridad de sus programas esconde un humanismo manifiesto, en la que siempre plantea la idoneidad del edificio desde el punto de vista del usuario. Su innovación tecnológica siempre incluye acentos ecológicos y su estética combina la desnudez estructural con la transparencia del cristal para otorgar a la luz y al espacio su permanente protagonismo en la Historia de la arquitectura.

Proyecto para la zona cero.

Aunque lo mejor que se puede decir de Foster es que cuando actúa sobre una tipología arquitectónica, los siguientes edificios que se construyen en el mundo dentro del mismo tipo no pueden ignorar sus aportaciones. Por eso es un artista que ha cambiado el mundo que nos rodea.

Clyde Auditorium.

Reportaje basado en extractos del especial Norman Foster del periódico digital Elmundo.

FOCUS: Aqua Jewels, de Marcel Wanders

2009-06-15T18:31:00.004+01:00

Lujo, ostentosidad, glamour, brillo, diamantes…son cosas implícitas en un diseño extravagante a la par que elegante.

El siempre recurrente Marcel Wanders ha diseñado la gama de grifería y accesorios de baño "Aqua Jewels" para la firma italiana Industrie Bonomi.

Como tantas otras cosas que os presentamos en Trifora podemos decir que es cuestión de gusto que su diseño convenza o no, cuestión que son otros expertos quienes deben valorar.

La intención del diseñador es claramente la de acercar un concepto de diseño basado o inspirado en la más famosa de las tallas del diamante, la talla brillante.
Para Industrie Bonomi, este proyecto es el pasaporte para cambiar su marca a "Bonomi Contemporáneo Italiano".

Sin duda alguna atrás quedaron los típicos y aburridos accesorios de baño. Ha llegado el gusto por lo caro, o al menos, por lo que parezca cuanto más caro mejor. Si eres de clase alto y de gusto sofisticado estos son tus accesorios.

OBSESSION: Fondue Mona.

2009-06-14T11:27:00.001+01:00

A quien no le gusta disfrutar de una cálida cena con unos amigos…y que mejor si esa cena se celebrara en una agradable terraza donde sentarse a la mesa y degustar una comida plagada de charlas interesantes y risas.

Una fondue es una opción buenísima cuando te apetece invitar a unos amigos a casa sin tener que organizar costosas y problemáticas cenas. Es de lo más económico y original, y haces participar al invitado durante toda la velada.

Yo siempre he contado con un juego de fondue en casa pero hace unos días descubrí este nuevo modelo y pensé que seria perfecto.
Con su forma perfectamente esférica, la fondue Mona de Stadler Form es ideal para disfrutar de una de estas calurosas cenas de verano. Mona está fabricada en cerámica y acero inoxidable y viene acompaña de 6 tenedores.
Para completar, el set incluye un plato giratorio en madera de acacia donde podemos colocar la fondue además de un set de 6 bols de porcelana. También dispone de un accesorio grill para cocinar carnes, pescados y verduras.
Un set completo que nos hará disfrutar de nuestros amigos y familiares. Seguro que después de esto quieren volver!!

TETE A TETE: Jane Abma

2009-06-13T15:37:00.000+01:00

Jane Abma es una ilustradora australiana conocida por sus carteles en festivales, sus diseños de portadas de discos y colaboraciones en numerosas revistas. Su trabajo se caracteriza por tener gran sentido del equilibrio en su composición y un selectivo uso del color impresionante.

Este sábado, rescatamos una entrevista concedida a whohub. Disfrutadla.

¿Cuál es tu especialidad?

Respuesta corta: revistas, ilustración, eventos musicales y diseños de CD.
Respuesta larga: Yo trabajo principalmente en la industria de la publicación como un director de arte, aunque comencé como ilustrador y diseñador de caracteres. He sido la directora de arte de revistas en la música y he viajado durante más de 3 años, así mismo he trabajado con una serie de sellos discográficos y promotores de festivales de música en varios eventos y lanzamientos de discos. Porque soy un ilustradora, así como una diseñadora que a menudo embellece los diseños con mi propio trabajo en lugar de imágenes de las bibliotecas de imágenes, algo que creo que es refrescante.

¿Dónde podemos ver su portafolio en línea?

Portafolio personal
http://www.janeabma.com

Actualizaciones e intereses
http://blog.janeabma.com/

También colaboro en comunidades online de diseño pop / arte / cultura:
http://www.lostateminor.com/2008/01/22/jane-abma/
http://www.coolhunting.com/archives/2008/01/jane_abma.php (...)
http://www.spraygraphic.com/ViewProject/3384/normal.html (...)

¿Cuál es tu motivación?¿Qué te hace levantarte por las mañanas?

Cuando pienso en las reacciones de mis clientes si hago un buen trabajo - que me excita cuando pienso en los resultados: ayudar a que mi cliente se sienta orgulloso de su negocio y la forma en que podría conseguir contactos en ese campo.

Por supuesto, hay un momento café de madrugada que no puedo resistir… y para ser honesto estoy bastante a menudo deseando levantarme y escuchar las últimas canciones de mi colección! Es increíble cómo la música me motiva para diseñar.

¿Cómo promocionas y mueves tu trabajo?

Actualmente me aseguro de que mi nombre está por ahí uniéndome a las comunidades en línea y presentarme a la mayor cantidad de concursos y colaborando en el mayor número de proyectos posible. También me aseguro de que mi sitio web y mi blog se actualizan con mis últimos proyectos, así como tratar de promover otros tipos de trabajo que me gustan.

¿Cuál es tu tipo favorito de cliente?

Cuando se llega a ello, tengo que decir que los clientes están muy apasionados en lo que hacen. Si son auténticos, entonces estarán dispuestos a esperar por mí, esperar a que me haga algo meditado y perfeccionado.

Mis escritos favoritos hasta la fecha han sido las instrucciones que me da el simple hecho de escuchar un disco e interpretarlo visualmente. Brillante.

Si no fueras diseñadora, ¿qué estarías haciendo?

Yo realmente quería ser patólogo antes de entrar en el diseño de manera que un extraño contraste de perspectivas de carrera. I also taught the piano and played in a band so the musician in me might still one day bloom into a super rock star, who knows? También tocaba el piano en una banda por lo que un músico un día podría florecer en mi y convertirse en una súper estrella de rock, ¿quién sabe?
Realmente me gusta el diseño interior y la cocina, por lo que cualquiera de esas dos ocupaciones me sentarían muy bien - aunque el vapor y el horno me alejó un tiempo de la cocina.

Aparte de eso, creo que una vida de meditación, la terapia y un tiempo de pesca en Indonesia o Tailandia sería mi destino. Lo lo más probable es que me ganara la vida como una artista que realiza tatuajes de henna...

COLLAGE: Las muñecas de Camille.

2009-06-12T12:34:00.000+01:00

Nació en Los Ángeles y fue creciendo entre visitas a Disneylandia y conciertos de punk, de ahí que Camille Rose Garcia cite hoy entre sus mayores influencias a Walt Disney y The Clash.

Sólo así se puede entender su arte oscuro y macabro con un aire onírico que nos traslada a nuestras peores pesadillas. Es el Lowbrow o surrealismo pop, que algunos consideran una extensión del Pop Art.

Un buen día Camille abandonó sus ilustraciones y se puso a jugar con muñecas y para ello creó los juguetes que le hubiera gustado tener en su infancia. Eran cuatro: Lulu, Patch, Cherry Girl y las siamesas Katie y Sadie.

A su nuevo trabajo lo ha llamado Seymoor Squidly y en el no olvida ni por un instante su siempre original estética punk. Las divertidas y tenebrosas muñequitas están forradas con fibra de cáñamo y revestidas con algodón orgánico. Todas y cada una de sus muñecas tienen certificado de autenticidad, firma de la artista y número de serie, pues Camille trabaja siempre con ediciones limitas. La unica forma de adquirir una de sus últimas muñecas es accediendo a www.jonathanlevinegallery.com, perteneciente a la galería artística de Jonnathan Levine, patrocinador de la marca de juguetes PITCO.

En el caso de Seymoor Squidly la serie limitada echa a mano consta de tan sólo 125 unidades, asi que si quieres una no puedes tardar en decidirte.
Si, en cualquier caso te has quedado sin ella, también puedes optar por adquirir The Peppermint Man, el muñeco que hace realidad una de las peores pesadillas de los niños americanos. Como el resto de sus productos también está realizado en materiales 100% naturales. De aspecto antiguo y acertadamente maquiavelico. Con el mismo certificado de autenticidad.

Personalmente creo que estas series de muñecos tienen la capacidad de hacernos odiarlos o amarlos a primera vista. Yo he optado por la segunda opción.

VINTAGE: Folding Screen

2009-06-11T15:38:00.000+01:00

Ya es un clásico hablar de Charles y Ray Eames en esta sección, pero es que no puedo evitarlo. A mi parecer son grandes diseñadores adelantados a su tiempo y sobre todo, a través de sus diseños podemos apreciar su pasión por crear.

Esta semana le toca el turno a un separador de ambientes plegable diseñado en 1946 y que más que un biombo es casi un objeto escultórico.

Está formada por seis segmentos de madera contrachapada en forma de U. Las uniones en un principio se crearon con una lona de bisagras y un adhesivo sintético, pero en la actualidad, se ha sustituido por una malla de propileno, que no distorsiona en absoluto el diseño original.

Diseñado en su momento para Herman Miller, este biombo complementa a otras creaciones moldeadas de madera contrachapada tan típica en los diseños Eames.

Un diseño encantador repleto de unas líneas onduladas suaves y agradables a la vista, cuya producción está a cargo de Vitra. Una auténtica joya.

ESPACIOS: Zank Boutique Hotel.

2009-06-10T17:55:00.009+01:00

Una de las cosas que he aprendido durante mi estancia en Salvador de Bahía es que esta ciudad, este país, guarda bajo su eterna fachada de país en vías de desarrollo pequeños paraísos que te permiten descubrir lo que verdaderamente representa Bahía. A sólo unos metros del humilde hotel donde me alojo he descubierto un pequeño edifico cargado de sofisticación y elegancia.

En el barrio de Río Vermehlo, donde cientos de jóvenes se reúnen los fines de semana para tomarse unas Chops (Cañas a lo brasileño), se encuentra el Zank Boutique Hotel, un sitio donde alojarse puede convertirse en todo un sueño.

El lujo y el arte combinados con los servicios exclusivos personalizados son el sello de este hotel boutique situado en el corazón de Salvador. Ofrece elegancia, sofisticación y le permitirá experimentar el modo de vida brasileño.

El Zank Boutique Hotel tiene identidad propia y un encanto irresistible además de gozar de una excelente ubicación y ofrecer vistas al mar.

Su interior refleja el ambiente brasileño. Cuenta con muebles y objetos realizados por diseñadores brasileños, adquiridos en los mejores anticuarios y talleres, muchos de ellos situados en las zonas comerciales de la misma zona del hotel.

Cuenta con tan sólo 20 habitaciones, por lo que alojarse en él debe ser cosa de privilegiados. Si quieres vivir una experiencia inolvidable mientras visitas una ciudad encantadora el Zank Boutique es tu mejor opción.

ICON:Jaime Hayon

2009-06-09T15:57:00.002+01:00

Uno de los diseñadores españoles con más proyección internacional en el mundo del diseño, es sin duda el carismático Jaime Hayon. Nació en Madrid en 1974, y siendo un adolescente se interesó en la cultura skate y en el arte del grafiti.

Auque se formó en Madrid, su trayectoria profesional ha ido entre Francia, Hong Kong y Nueva York. Tras terminar sus estudios, se incorporó a Fabrica, donde en poco tiempo, fue ascendido.

Tras ocho años como Jefe de su departamento, decidió emprender su carrera en solitario instalándose en Barcelona. El éxito no tardo en llegar y al mismo tiempo que exponía en prestigiosas galerías de arte, se hacía un número importante de colaboraciones.

Metalarte, Camper, Lladró, Bisazza y Swarovsky están entre sus clientes más valiosos, algo contradictorio viniendo de un chico que se interesaba por el arte urbano.

Pero cuando hablamos de Jaime Hayon, llamarle diseñador se queda corto. El llamado Art Toy, la cerámica, los muebles y el diseño de interior son algunos de las muchas ramas que controla este madrileño.

Un diseño caracterizado por su deslumbrante originalidad y su estilo “Barroco Mediterráneo Digital” definido por el mismo Jaime como una mezcla de surrealismo, densidad, dinamismo, intuición, locura, riesgo, delicadeza, exageración histriónica, simulacro o creatividad.

FOCUS: Nuevos aparadores Lyneus, de Acerbis.

2009-06-08T11:42:00.004+01:00

El nuevo aparador Lyneus de la empresa italiana Acerbis es una “espectacular visión del futuro”. Elegante y brillante, este mueble aparador es un toque final para un ultra-moderno salón, además de un evidente buen gusto y originalidad por parte de aquel que lo elija.

El eficaz almacenamiento es la clave para mantener un aspecto minimalista en la casa. Manteniendo este espíritu, los gabinetes Lyneus revelan su capacidad de almacenamiento sólo cuando es estrictamente necesario. Un diseño de vanguardia hace que nadie sospeche que este mueble se trata de una ultramoderna versión de las antiguas y más que funcionales alacenas, pero en este caso diseñado para nuestro salón.

En cualquier caso, el mueble es de tan buen gusto que se puede optar por ubicarlo en cualquier parte de la casa: el salón sería un espacio perfecto para mostrar esta adquisición, sobre todo si lo acompañas del resto de los muebles de la colección. Los muebles de Acerbis se caracterizan por organizar de tal manera el espacio del salón que cableados y aparatos electrónicos aparecen ocultos y dispuestos a aparecer de manera automática en el momento deseado.

Una excelente combinación entre vanguardia y funcionalidad que no pasara desapercibida.

OBSESSION: Till&Tiny

2009-06-07T16:12:00.001+01:00

En un tiempo donde los adornos adhesivos están a la vanguardia de la decoración de nuestro hogar, no puedo evitar hablar de esta maravilla que encontré hace un tiempo. Se llaman Tall & Tiny y son unas lámparas de vinilo muy originales.

Cada una tiene una forma diferente: Tall imita a una lámpara de pie y Tiny imita a las típicas lámparas de las mesas de noche, cada una con unas dimensiones de 180x50 y 30x20 respectivamente.

Ideal para los que quieren ahorrar espacio en su casa, el mecanismo de esta lámpara es bastante sencillo, un enganche para sujetar la bombilla y la pegatina que forma la lámpara en 2D.

Su creadora es la italiana Alice Rosignoly y la encargada de su fabricación es Pa-Design. En cuanto al precio, es bastante asequible, unos 72 € por las dos (aunque también se pueden comprar por separado).

Innovadora y funcional, este vinilo decorativo nos da lo mejor de una lámpara con algunas ventajas extras que hacen de él un diseño atractivo además de original.

TETE A TETE: Txabi Zabala.

2009-06-06T00:01:00.000+01:00

Txabi Zabala es una de esas personas que te hacen pensar. Me refiero a que estamos acostumbrados a mirar hacia las grandes capitales españolas del diseño: Valencia, Barcelona...Y de repente conoces a alguien como Txabi Zabala: humilde, trabajador y con proyección de futuro. Es una de esas personas que te recuerdan que no hace falta ser valenciano o catalán para convertirte en un buen diseñador, un diseñador en el que la gente confíe. Seas de donde seas, trabajo, constancia y años de estudio pueden llevarte hasta lo más alto, y nosotras estamos segura de que este joven diseñador vasco llegará a mucho más que eso. Para que tú también des cuenta de ello lee la entrevista que concedió a Trífora hace sólo unos días.

¿En qué momento de tu vida supiste que querías dedicarte al diseño?

Desde niño me ha gustado jugar a crear y construir y entender cómo funciona todo, pero nunca me plantee ser diseñador industrial porque no conocía la existencia de esa profesión. En el País Vasco no existía la posibilidad de formarte en esta disciplina y decidí estudiar Ingeniería Industrial en Bilbao, cuya escuela cuenta gran tradición y prestigio. En el último año de carrera, curiosamente, descubrí la profesión de Diseño de Producto a través de DZ Centro de Diseño (ahora BAI Agencia de Innovación) y conseguí una beca para formarme en la Universidad de Coventry (Inglaterra). Así que soy ingeniero mecánico y diseñador industrial.

¿Crees que el haber realizado parte de tus estudios en el extranjero ha ampliado tus opciones de trabajo?

En un principio pensaba que esa iba a ser la clave para encontrar trabajo en algún estudio, imagínate un ingeniero y diseñador industrial que ha realizado sus prácticas profesionales en FIAT durante 3 meses en Milán… Pero la realidad fue otra. Tras realizar un par de proyectos mientras buscaba trabajo, y viendo que existían posibilidades de hacer más, decidí dar el paso y darme de alta como autónomo, y ya han pasado casi seis años…

¿Qué ventajas tiene el trabajar como freelance?

La ventaja principal es que te permite, por un lado ofrecer servicios de diseño industrial a medida, tanto integrándome temporalmente en el departamento de I+D+i del cliente como formando yo un equipo multidisciplinar, y por otro lado diseñar los productos que tengo en mente y que de otra manera no podría.

¿Y tiene algún inconveniente?

Todos aquellos que tenemos los trabajadores autónomos, pero es muy aburrido hablar de ello.

¿Con cual de tus diseños te quedarías?

Ahora mismo escogería RokadelBoske porque estamos en plena promoción y está teniendo muy buena acogida. Precisamente hace quince días se inauguró en Copenhague un parque infantil donde se han instalado 4 Rokas.

¿De dónde sacaste la idea?

De los paseos por el monte, cuando decides hacer un descanso y buscas la roca, tronco o forma natural más cómoda para sentarte y apoyarte.

Cuéntanos algo acerca de TXB. Diseño de Producto.

TXB Diseño de Producto es la marca con la que trabajo para mis clientes, tras ella estamos mis colaboradores y yo. Pero TXB es TXABI ZABALA y viceversa, es un alter ego profesional.

¿Qué siente un diseñador joven, al ver que sus productos empiezan a comercializarse con éxito fuera de su país?

Pues uno siente reconocimiento. Ya se dice que uno no es profeta en su tierra, pero espero que sirva para vender más aquí.

En tu opinión, ¿Cuál es, hoy en día, el mejor mercado de trabajo para el diseño español?

La respuesta rápida es Valencia y Barcelona. Los compañeros de profesión que trabajan en esa zona tienen más opciones para sacar adelante sus productos. Desde la distancia observo que allí las empresas son más receptivas y confían más en las nuevas promociones de diseñadores.

¿Cuál es perfil del cliente con el que trabajas?

Realmente el abanico es muy amplio. Puede ser una empresa tradicional que lleva años produciendo los mismos productos y quiere ampliar su oferta. Se puede poner en contacto conmigo, aún no habiendo contratado nunca a un diseñador o no teniendo muy claro lo que quiere hacer.
Otra empresa tiene una buena idea y necesita transformarla en un producto.
Incluso la revisión de productos obsoletos para aportarles valor añadido es el motivo por el que se contrata un diseñador industrial.
Los diseñadores industriales estamos ahí para ayudar a mejorar a las empresas y no para crearles problemas a través de productos imposibles.
Desde aquí animo a los empresarios emprendedores a contactar con diseñadores antes de embarcarse en un nuevo proyecto, ya que ofrecemos una visión global del ciclo de vida de un producto, desde su concepción hasta su reciclaje, pasando por el desarrollo, la fabricación, el embalaje, la comunicación…

¿En que grado son importantes las exposiciones y ferias para gente que comienza en el mundillo?

Lo más importante para alguien que crea algo nuevo es mostrarlo, hacerlo llegar al gran público. Si eres un gran diseñador con unos productos increíbles y no eres capaz de difundirlos es como si no hubieses hecho nada.

Las ferias y exposiciones son un buen escaparate, pero sólo es el primer paso.

¿Cuál será la próxima en la que participes?

Ahora mismo acabo de participar en una muestra de diseño de producto en Bilbao que se ha organizado durante el Congreso de las Industrias de la creatividad “Bizkaia Creaktiva” organizado por Creativity Zentrum.
Y en diciembre se organizará una exposición de la Asociación de Diseñadores de Euskadi (EIDE) donde podremos ver la calidad del diseño de los estudios y diseñadores vascos. Un evento con el que queremos fomentar la cultura del diseño en el País Vasco, donde en estos temas siempre se mira hacia fuera y hacia los grandes y mediáticos diseñadores internacionales.

Por último siempre pedimos un consejo de despedida, ¿Qué nos dirías?

Que no te cuenten milongas, si algo no te gusta: NO TE GUSTA.

COLLAGE: DVEIN

2009-06-05T15:52:00.003+01:00

DVEIN es un estudio gráfico de origen valenciano afincado en Barcelona. Está dedicado a la animación grafica y digital, así como a la animación tridimensional. Su trabajo es excepcional y ya cuentan con un gran reconocimiento internacional y una cartera de clientes exclusivos.

Formado únicamente por tres personas: Teo Guillén, Fernando Domínguez y Carlos Pardos, estos jóvenes diseñadores han diseñado las cabeceras de festivales de gran prestigio además de haber trabajado para Kyle Cooper diseñando los créditos de Spiderman 3.

Una característica muy a tener en cuenta de DVEIN es que en la mayoría de la ocasiones cuentan con un presupuesto mínimo para sus creaciones, pero son expertos en exprimir al máximo sus recursos y ser autores de impresionantes creaciones.

Empezaron trabajado en sus propios dormitorios y hoy en día tienen su propio estudio en Barcelona. Durante años han sido responsable de la dirección de arte de los créditos de festivales como Toca Me, Artfutura… etc.

Sin embargo su última creación es la que me ha dejado boquiabierta. Los créditos del festival neoyorquino F5. Un extraordinario trabajo en el que los detalles están diseñados minuciosamente y cuya originalidad y profundidad cautivan a cualquiera.

Pero basta de palabras, para entender realmente lo que quiero decir, sólo hay que verlo!

Creditos del festival F5 from dorsumi on Vimeo.

VINTAGE: Alessi.

2009-06-04T00:01:00.000+01:00

Año tras año, la firma Alessi evoluciona y nos sorprende con sus diseños. Hace ya casi 90 años, sí sí, 90 años desde que un pequeño taller artesanal se convirtiera en lo que hoy conocemos como una de las firmas italianas de diseño de más prestigio internacional.

Generación tras generación, los diseñadores de Alessi han ido aportando dedicación y pasión convirtiendo la firma en un laboratorio de sueños donde se hacen realidad las exigencias típicas de esta industria: la experimentación y la creatividad.

Durante la historia de Alessi más de 200 diseñadores han trabajado competentemente para ellos, entre los que destacan Ettore Sottsass y sus aceiteras, platos y recipientes de parmesano; Aldo Rossi y su cafetera “la Cúpula”; Philippe Starck y el exprimidor “Juicy-Salif” o Alessandro Mendini y el “sacacorchos Ana”.
Hoy en día toda la producción de Alessi se realiza bajo tres marcas: Officina Alessi, Alessi y A di Alessi.

Officina Alessi es una marca exclusiva, pensada para trabajar con los productos más sofisticados, las ediciones limitadas y las piezas únicas, objetos de coleccionistas por así decirlo.

La tradicional marca Alessi por su parte, incluye lo mejor de la producción industrial en serie del sector del hogar.

Y finalmente la marca A di Alessi, la “Fabbrica dei sogni”, que desea alcanzar una de las finalidades originarias del diseño: ofrecer productos de alta calidad a un público lo más amplio posible.

Alessi se ha convertido en este largo periodo en una de las marcas más deseadas de todos los tiempos, sus diseños explican el éxito que les ha perseguido durante todo este tiempo.

ESPACIOS: Barbie Shangai

2009-06-03T12:04:00.001+01:00

Con motivo del 50 aniversario de Barbie, Mattel decidió abrir este año el primer emporio Barbie en Shangai. Diseñado íntegramente por Slade Architecture, esta tienda consta de seis pisos que poseen la más grande y más completa colección de muñecas y productos Barbie.

Seis pisos distribuidos en los casi 3000 metros cuadrados de edificio, en los que encontraremos desde un spa hasta una cafetería restaurante, todo envuelto en una fachada diseñada para crear una identidad propia de la tienda.

Para el diseño de la fachada se conto con la colaboración de BIG, quién creo los gráficos finales. Combina referencias de artes decorativas, de productos de embalaje, de moda e iconografía.

Está hecha de dos capas, una interior de paneles de policarbonato traslucido y una interior de paneles de cristal con un patrón entramado impreso con frita. Dos capas que interactúan dinámicamente, con la sombra y la distorsión.

Dentro, el elemento principal que funciona como núcleo de toda la tienda es una escalera de caracol cuya caya encierra 800 muñecas Barbie. La escalera comunica tres pisos: la planta de mujer, la planta de muñecas y la planta de niñas.

La planta de mujer incluye moda, cosméticos y accesorios. Una planta para las que aún se sienten un poco niñas y adoran el icono Barbie.

La planta de muñecas, que además de tener las muñecas, una galería del diseñador de Barbie y libros, incluye un espacio llamado Centro de Diseño, donde las niñas pueden diseñar su propia Barbie por ordenador!

La planta de niñas, además de tener moda, zapatos y accesorios, tiene un espacio destinado de moda Barbie en el cual las niñas tienen la oportunidad de participar en una autentica pasarela.

En la última planta se encuentra el Barbie Café, un restaurante-heladería. Este es quizá mi espacio favorito de todo el edificio. Aunque no deja de aparecer el típico rosa Barbie, el restaurante tiene un diseño más sofisticado y adulto, mezclando con tonos negros y unas sillas de diseño absolutamente originales.

Un emporio con un diseño elegante y muy divertido, que encierra más de 1600 productos oficiales Barbie y que invita a un punto de reflexión donde se encuentra la Barbie del presente, del pasado y del futuro.

ICON: Marcel Wanders.

2009-06-02T17:32:00.003+01:00

Marcel Wanders creció en Boxtel, Países Bajos, y se licencio en la Escuela de Arte de Arnhem en 1988. La fama de Marcel Wanders comenzó con su icónica Knotted Chair (Silla Tejida), que produjo para Droog Design en 1996. Actualmente trabaja con las principales casas de diseño de Europa como B&B Italia, Bisazza, Poliform, Moroso, Flos, Boffi, Cappellini, Droog Design y Moooi de la que el es también director y copropietario. Fundada en 2000, Moooi ha crecido hasta ser una marca reconocida internacionalmente.

Son muchos los diseños de Marcel Wanders que han sido seleccionados por las mas importantes colecciones de diseño en todo el mundo, como MoMA, Museum of Modern Art de San Francisco, V&A Museum de London, Stedelijk Museum de Ámsterdam, Museum Boijmans van Beuningen de Rotterdam, Central Museum de Utrecht, Museum of Decorative Arts Copenhagen.

Marcel se dedica además a proyectos de arquitectura e interiorismo. En los últimos tiempos también se ha visto puesta su atención en el mercado de electrodomésticos para la casa y en colaboraciones como diseñador asociado con empresas del calibre de Puma, para la que ha diseñado la colección “I hate camping”.

Ha sido miembro de jurados de numerosos concursos, como el Rotterdam Design Prize y el Kho Liang le prize. Ha dado conferencias y cursos en SFMoMa, Limn, the Design Academy, Nike, IDFA, FutureDesignDays. Ha sido también profesor en numerosas academias de diseño tanto en los Países Bajos como en el extranjero.

FOCUS: Tress Lamp

2009-06-01T12:56:00.001+01:00

Tress Lamp es un diseño del diseñador francés Marc Sadler para la marca Italiana Foscarini. Se trata de una lámpara hecha a base de una trama de hilos cubiertos de resina, inspirada en las tradicionales canastas.

De forma cilíndrica, a través de los espacios vacios y sólidos del entramado se emite una luz que se propaga creando un juego de luces y sombras que transmite una sensación táctil.

Existe en tres versiones: de mesa, colgante y una versión de pie. Quizás esta última sea la más interesante, puesto que tiene dos fuentes de luz en su interior, una que da al tejido y otra que da al techo, propagando de una manera más amplia la luz.

Está disponible en tres colores diferentes según la versión: blanco, negro y rojo. Fue presentada en el Euroluce 2009 de Milán y creemos firmemente que será un éxito puesto que promete ser una lámpara económica de gran diseño.

OBSESSION: Smallpods.

2009-05-31T00:01:00.000+01:00

Para los que desde hace tiempo ya nos veníamos fijando en todos los detalles del diseño que nos rodeaba, esta pareja de altavoces, pequeñitos pero matones, nos sonará.

Son los Smallpod, los hermanos pequeños de los Minipod, que hace años aparecieron por primera vez en el piso de Joey Tribbiani, sí, el de la serie Friends. Varios años más tarde llegan a España.

Los altavoces del piso de Joey Tribbiani.

El fabricante Scandyna llama a estos Smallpod los altavoces que caben en cualquier sitio, pero ello no significa que estén al alcance de todos. Están diseñados para poder conectarlos a cualquier fuente pequeña de sonido, como pudiera ser el portátil, el Mp3 o el móvil.

Estos equipos de audio llevan el amplificador integrado y mantienen las prestaciones acústicas de sus hermanos mayores, los Minipods, pese a que son un 30% más pequeños. Sus medidas exactas son de 15.7×25.6 ×16 cm, con un peso que no llega a los 2 Kg.

Los altavoces Smallpod tienen forma esférica y cuentan con dos vías bass reflex con carcasa abs. La forma esférica no es sólo un capricho de diseño, está pensada para reducir las vibraciones o ruidos y conseguir un sonido más limpio.

Tienen un precio de 400 euros y vienen con soporte para colocarlos en la pared o el techo. Están disponibles en seis colores para que podamos escoger el que mejor se ajuste a nuestros gustos o entorno.

En España los comercializa Sound & Pixel Planet.

TETE A TETE: Karim Rashid

2009-05-30T12:38:00.000+01:00

Hace meses hablamos sobre el diseñador egipcio Karim Rashid y su original y colorido estilo. Pues bien, hoy hemos extraido unas preguntas de una entrevista concedida a Designboom hace algunos años, así como sus respuestas al famoso cuestionario "Marcel Proust". No tienen desperdicio.

¿Dónde trabajas en tus diseños y proyectos?

Muchas veces en aviones. Yo viajo mucho, y es un tiempo para estar solo. En mi oficina o en mi casa es muy difícil estar solo

¿Algo que le gustaría diseñar?

Quiero diseñar algunas maletas para alguien, un sistema estéreo, una casa, un robot…

¿Hablas sobre tu trabajo con otros arquitectos y diseñadores?

Sí mucho, con mi hermano Hani Rashid, que es arquitecto, Ross Lovegrove, Toyo Ito, David Shearer, Paola Antonelli.

Describe tu estilo como un buen amigo tuyo lo describiría

Escribí una vez un pequeño manifiesto acerca de lo que pensé era mi estilo,
y lo llamé "minimalismo sensual" o "sensualismo", que se concentran en
la materia del objeto y no en la forma del objeto, y por eso, porque no hay un montón de adorno, se convierte en relativamente mínima.
Todas las piezas están ahí porque son parte integrante. Creo también mi trabajo es fluido, suave, ecológico, humano, por eso su sensualidad.

Has escrito un libro, “Quiero cambiar el mundo”, es un gran mundo ...

He usado ese título por tres razones:

El número uno creo que todo artista, diseñador, siempre quiere aportar algo a la cultura. Siempre he estado obsesionado con hacer esto, incluso cuando era un niño de cuatro años, solía dibujar una iglesia con mi padre, pero siempre quise cambiar algo: las ventanas...

En segundo lugar, yo me considero más un artista que puro diseñador industrial, porque hay unidad internamente para hacer algo original en el mundo.
La otra definición se debe a que hubo esta visión utópica que los arquitectos en el siglo 20 sólo veían el mundo de una forma.

Así en el libro hay un artículo acerca de cómo vivimos en un mundo muy complejo, y no puede ser nunca una singular visión utópica, y yo nunca desearía anteponer mi visión sobre todos los demás, sólo estoy contribuyendo a un montón de sensibilidades.

¿Hay algún arquitecto o diseñador del pasado que aprecies mucho?

Muchos muchos muchos... Gio Ponti, Luigi Colani, Mies van der Rohe ...

Y de los aún activo, ¿hay alguno en particular que aprecies?

Me gusta Tadao Ando mucho, un montón de arquitectos japoneses en general,
Hay algo duro pero sensible en su trabajo

¿Siempre quiso llegar a ser un arquitecto o diseñador?

Sí, un diseñador

CUESTIONARIO MARCEL PROUST

Los principales lineamientos de mi carácter.
Obsesivo-compulsivo

Una cualidad que deseo en un hombre.
Sensible / estética.

Una cualidad que deseo en una mujer.
Sensible / estética.

Lo que más aprecio entre mis amigos.
Conversación.

Mi principal defecto.
Depresión.

Mi ocupación favorita.
Músico.

Mi sueño de felicidad.
Ver mis ideas realizadas.

Lo que para mí sería la mayor desgracia.
Perder a mi esposa.

Lo que me gustaría ser.
Un hombre más feliz.

Dónde me gustaría vivir.
En todas partes al mismo tiempo

El color que prefiero.
Blanco.

La flor que me encanta.
Cactus.

El pájaro que prefiero.
No me gusta la naturaleza

Mis autores favoritos.
Tufen Orel, Jean Baudrillard, Paul vivilio

Mis poetas favoritos.
La poesía está acabada.

Mis héroes en la ficción.
No me gusta la ficción.

Mis heroínas de ficción.
No me gusta la ficción.

Mis compositores preferidos.
Disk jockeys

Mis artistas favoritos.
Pete Hailey, Chapman Brothers, Ray Charles

Mis héroes en la vida real.
Gente que hace algo original en este mundo

Mis heroínas de la historia.
No me gusta la historia.

Mi sustantivo favorito.
Palabras que no existen como blobject

Lo que yo más odio.
Deslealtad.

Los personajes históricos que menos me gustan.
No me gusta nadie

La empresa militar que más me gusta.
No me gusta nadie

La reforma que más agradece.
ex-extensualismo

El regalo de la naturaleza que quisiera tener.
Que nunca necesitara dormir.

Cómo me gustaría morir.
En un ataud diseñado por mi

El estado actual de mi alma
En una misión mundial.

Las faltas que puedo soportar.
No todo puede ser perfecto.

Mi lema.
Quiero cambiar el mundo.

COLLAGE: Loftchair.

2009-05-29T11:55:00.009+01:00

Si hay algo que me apasiona es el diseño de sillas. Creo que es una de las razones que me han impulsado a decidir hacer otra carrera de diseño próximamente. Una de las tiendas de referencia en España en este aspecto es Loftchair.

En Loftchair conocen perfectamente la importancia que tiene una adecuada elección de las sillas para la estética y funcionalidad del espacio de una vivienda, local u oficina.

Saben que decidir las sillas van a ocupar estos lugares es una decisión crucial a la hora de decorar un espacio; por ello se dedican con esmero a ayudar a escoger la silla perfecta en cuanto a diseño, color, ergonomía o textura. En Loftchair saben aconsejarle una silla a cada cliente.

La idea de tienda de Loftchair es un espacio diáfano de estilo industrial, un espacio acondicionado como un moderno loft. Loftchair es todo lo contrario a una habitual tienda de muebles, repleta de los más diversos elementos.

Loftchair es un lugar donde encontrar sillas, sillas y nada más que sillas. Un paraíso del diseño, donde ver, probar, comparar y, espero, que comprar.

Visita su página Web y descubre mucho más sobre Loftchair.

www.loftchair.com

VINTAGE: Lámpara Wagenfeld

2009-05-28T15:51:00.000+01:00

Entre todos los diseños que nos ha legado la historia de la Escuela Bauhaus, se encuentra la lámpara Wagenfeld. En 1924, el diseñador alemán Wilhelm Wagenfeld (1900 – 1990) acababa de entrar a la escuela Bauhaus cuando realizó el diseño de esta lámpara.

Una creación sencilla y elegante, con formas clásicas de diseño impecable. Su base es de cristal, su estructura de acero cromado, y su difusor de cristal opal con forma redondeada.

Está considerada una de las lámparas más famosas de la Bauhaus y se ha convertido en un clásico del diseño, dejando aflorar el claro y racional estilo de su creador.

TecnoLumen es la encargada de su actual fabricación, siempre fiel a las especificaciones originales: altura de 36 cm y diámetro de 18 cm. Además, se fabrica en cuatro versiones diferentes, destacando su versión con base de metal. Todos diseños originales de Wagenfeld.

Pero, como todo buen diseño, tiene sus imitaciones. Para evitarlas, todas las lámparas originales están numeradas y selladas con el logotipo de TecnoLumen y el de la Bauhaus en la parte inferior de su placa base.

ESPACIOS: Restaurante Panorámico del Hotel Madrid Tower.

2009-05-27T12:55:00.003+01:00

En el Paseo de la Castellana, en Madrid, encontramos el Hotel Eurostars Madrid Tower. Allí mismo, a 100 metros de alturas se puede disfrutar del Restaurante Panorámico del hotel, un lugar espectacular desde donde apreciar la ciudad sin renunciar a una comida de lujo.

El Hotel es uno de los emblemáticos rascacielos de la capital y en el restaurante del que te hablamos se puede degustar la mejor gastronomía mediterránea con un toque de autor, disfrutando al mismo tiempo de espectaculares vistas sobre la Sierra madrileña.

En el piso 30 se encuentra este rinconcito para celebrar una comida de “vértigo”. De líneas rompedoras y atrevidas que potencian la impresionante verticalidad del espacio. Lacados, piedras de granito y colores en blanco y negro, da como resultado un ambiente sofisticado que destaca, sobre todo, al anochecer.

Dos enormes murales en vidrio serigrafiado dividen la sala donde además existe una zona reservada para unos 15 comensales, en la que disfrutar de una mayor intimidad.
Una cena romántica, una comida de negocio, te aseguramos que no te arrepentirás de hacer una reserva y subir a disfrutar de una buena gastronomía en un espectacular edificio a la altura del siglo XXI.

ICON: A/R Studio

2009-05-26T09:42:00.000+01:00

A/R Studio nace de la asociación de los diseñadores y arquitectos Antigone Acconci y Riccardo Bastiani en 2003, cuando aún eran estudiantes de la facultad de arquitectura de Florencia.

Juntos han recibido numerosos premios y menciones en concursos internacionales de diseño y han participado en 100% Design de Londres en 2007 y en el Salone Sattelite de Milán en 2008 y 2009.

Sus proyectos van desde el diseño de vajillas, accesorios y pequeñas piezas de mobiliario al diseño gráfico. Actualmente A/R Studio se ocupa del diseño de productos para una marca internacional de muebles y diseño de interiores.

Sin embargo, ambos trabajan individualmente en diversas empresas de distintas maneras.

Antigona nació en la Toscana y vive en Milán donde colabora con estudios de arquitectura y diseño. Así mismo, tras obtener una maestría, también trabaja como profesora en el Instituto Europeo de Diseño.

Riccardo también vive y trabaja en Milán. Ha trabajado con Takahide Sano y además, es jefe de proyectos del estudio milanés Parisotto&Formenton.

Diseño made in Italy en su más pura esencia!

FOCUS: Moma, de Mariscal para Vondom.

2009-05-25T11:18:00.006+01:00

La colección Moma, diseñada por Javier Mariscal para la firma VONDOM, es una serie de objetos para el exterior. Las características peculiares de este proyecto se han dado gracias a la idea de fundir las utilidades de macetero y de mesa exterior; y de esta manera nació Moma, original y versátil.

Existen tres versiones diferenciadas de Moma, dependiendo de la manera en la que vayamos a sentarnos, además de esta manera podremos adaptar nuestro nuevo objeto de jardín en tres ambientes distintos: una para chill-out, Low, completado con un puff de gran confort de la misma colección; otra para utilizarla sentados en una silla o butaca, Medium, y otra a la que se llega de pie o sentado en un taburete, High, pensando en el placer de tomarse una copa al aire libre.

Los primeros bocetos presentaban formas orgánicas que en el desarrollo del proyecto fueron derivando hacia formas más arquitectónicas que recuerdan a una columna con capitel o a una ménsula. En la superficie de apoyo tiene un hueco con función de macetero con sistema de auto riego patentado por VONDOM.

Se fabrica mediante el proceso tecnológico de moldeo rotacional con material ecológico de resina de polietileno, en gran variedad de colores siempre vivos, lo que da un toque todavía más fresco y original al conjunto.

OBSESSION: Sofá Cushionized

2009-05-24T09:21:00.000+01:00

Normalmente, añadimos cojines en un sofá con el único fin de hacerlo más confortable, pero ¿y si los usásemos como elemento principal?

Esta misma pregunta se la planteó la diseñadora alemana Christiane Hoegner. El sofá Cushionized está formado por un montón de cojines apilados que crean una estructura perfecta y original.

Fue presentado el pasado mes de Abril en el FuoriSalone de Milán dónde fascinó por su composición.

Está disponible en dos modelos, uno totalmente blanco y otro con cojines de varios colores y texturas, lo que invita a jugar con diferentes tonos en la decoración de nuestra casa.

Un sofá que demuestra la originalidad de la multidisciplinaria Christiane Hoegner, en cuya página web podrás ver más diseños de este tipo, diseños que no pasan desapercibidos.

TETE A TETE: Luis Eslava.

2009-05-23T00:01:00.024+01:00

Es joven, emprendedor y tiene una imaginación que ya muchos querrían para sí. Luis Eslava es uno de los diseñadores españoles con más proyección internacional. Sus diseños se exponen en ciudades como Londres, Nueva York, Tokio o Milán.

No para de trabajar, de ir de feria en feria, y aún así nos ha prestado un poco de su tiempo para dedicarnos una entrevista divertida, amena y original.
Un compendio de ideas, de pensamientos, de cosas que pasan por su cabeza y que son parte de su día a día.

Si no hubieses sido diseñador, ¿Qué hubieses sido?
Iba para informático, aunque me molaría ser pastor de ovejas!!!!!! :)

Lámpara Agatha, de Luis Eslava.

El diseño del que estés más orgulloso.
La María USB o My mess.

¿Cuál es el mueble más caro de tu casa?
La silla selene de Vico Magistretti.

Silla New Selene.

¿Y el más barato?
El que recogi de la basura!!

Lámpara Magnificient, de Luis Eslava.

Un clásico.
La lámpara Eclipse, de Vico Magistretti.

Lámpara Eclipse, de Vico Magistretti.

Un objeto que harías desaparecer de las casas españolas.
La televisión.

Lámpara Face to face, de Luis Eslava.

Una ciudad.
Tokyo.

Una feria.
Milan.

La marrana, de Luis Eslava.

Un material.
La fibra de coco.

Asiento Pussy Lawn, de Luis Eslava.

Una tendencia.
El Re-think, re-use.

Tyvek World.

Una película.
“Mediterraneo”, dirigida por Gabriele Salvatore.

Un sueño por cumplir.
Todos.

Lámpara Tria, de Luis Eslava.

Una virtud esencial en un buen diseñador.
La humildad.

Lámpara Boomerang, de Luis Eslava.

¿A quién te gustaría conocer?
A mi bisabuelo Hilarion Eslava.

Lámpara Beauty in caos, de Luis Eslava.

Y, ¿a quién te honró conocer?
A Vicco Magistreti.

Bulbshade, de Luis Eslava.

¿Te da miedo el éxito?
¿¿Que es el éxito??

Reloj de pared Dopo, de Luis Eslava.

¿Y el futuro?
El futuro lo escribe cada uno.

Street Balcony, de Luis Eslava.

Un consejo.
Despacito pero sin pausa.

Parabán modular Paisley, de Luis Eslava.

COLLAGE: Dispatchwork

2009-05-22T09:06:00.003+01:00

Jan Vormann es un artista alemán de 26 años creador del concepto Dispatchwork. Su trabajo se basa en rellenar con piezas de lego, los huecos existentes en los edificios antiguos.

Su último trabajo se está llevando a cabo en Berlín, en el Edificio de la Universidad de Humbold. Vormann ha estado rellenando la mayoría de los agujeros de la fachada de este edificio, los cuales son a causa de la Segunda Guerra Mundial.

Resulta cuanto menos, paradójico, que los agujeros causados por balas y misiles, ahora estén rellenos de piezas de lego, algo tan común y con lo que juegan todos los niños.

Para este trabajo en Berlín, el artista ha tenido la ayuda de muchos espontáneos que sin dudar, se han puesto a armar piezas de lego y colocarlas en la fachada.

Sin embargo, Vormann no sólo ha estado rellenando los agujeros de este edificio, sino que también ha ido rellenando agujeros por edificios de toda la ciudad de Berlín, ya que está exponiendo en la galería Jarmuchek + Partner hasta el 13 de Junio.

Actualmente vive y trabaja en Berlín, pero no sólo ha hecho el Dispatchwork en Berlín, tiempo atrás también ha llevado su pasión por el plástico a edificios antiguos de Israel e Italia.

Un trabajo excelente, que demuestra cuán original puede ser un artista creando un contraste absolutamente insólito entre piezas de lego y fachadas de elegantes edificios desgastados por el tiempo.

VINTAGE: Vitra.

2009-05-21T12:09:00.007+01:00

Por todos los amantes del diseño conocida, Vitra es una de las productoras de muebles más conocida y prestigiosas del planeta. La compañía lleva más de 50 años fabricando muebles de toda índole: espacios públicos, oficinas, hogar…toda una gama de diseños que durante los años han formado parte de la historia del diseño.

Sus productos son ingeniosos, duraderos, de calidad, atractivos estéticamente…todo lo que el cliente busca lo tiene Vitra. Para conseguir este fin, Vitra ha colaborado, y sigue haciéndolo, con los mejores diseñadores habidos y por haber. Éstos añaden su particular visión del mundo y su experiencia a los productos que la firma desarrolla.

Son muchos los que han trabajado con Vitra y muchos los que seguirán haciéndolo: Charles y Ray Eames, George Nelson, Verner Panton, Mario Bellini, Antonio Citterio, Alberto Meda, Maarten Van Severen, Jasper Morrison, Ronan y Erwan Bouroullec y Hella Jongerius entre otros. Un elenco de artistas de prestigio.

En cualquier caso Vitra no se erigió para formar solo parte de la historia de la producción del mueble, además es parte importante de la cultura moderna, la arquitectura y las influencias de estas en nuestras vidas. De esta manera Vitra ha sido todo un proyecto social y no sólo una mera empresa comercial.

En 1989 se fundó el Vitra Design Museum y a día de hoy es una institución cultural de carácter internacional que contribuye de decisivamente en la investigación y popularización del diseño y la arquitectura. Esta fundación independiente de la empresa Vitra cuenta con numerosas exposiciones, imparte talleres en diferentes instituciones repartidas en diferentes ciudades del mundo; también es importante su función editorial, publicando documentos sobre diseño y arquitectura.

Sin lugar a dudas debemos mucho a una Institución como es Vitra. Encargada de difundir conocimientos, avanzar en medios de producción, difundir nuevas ideas, conceptos, diseños...Si quieres saber más sobre esta gran empresa historia visita su página web, descubrirás muchísimas cosas que te sorprenderán…

ESPACIOS: Hotel Juvet

2009-05-20T09:20:00.002+01:00

En el corazón del bosque de “Gudbrandsjuvet” en Noruega, se encuentra el Hotel Juvet. Diseñado por Jensen & Skodvin Arquitectos, su inauguración se llevó a cabo el pasado 2008.

El Hotel se compone de una granja, un granero, y unas 10 habitaciones completamente individuales tanto física como visualmente, perdidas en un fabuloso paisaje.

Cada habitación es como una pequeña casa para cada huésped, con un dormitorio doble, un baño y una sala-mirador hecha a base de una cristalera que ocupa la totalidad de una pared, dejando paso a lo mejor de la naturaleza.

Así, cada habitación cuenta con su propia visión, única en cada caso, del espectacular paisaje: el caserío, el rio, el valle, la montaña…

En cuanto a la decoración, todas cuentan con un diseño moderno, algo que puede resultar contradictorio en un paraje natural, pero en este caso, se consigue un matrimonio perfecto entre la naturaleza y el diseño moderno.

Un total de 800 m2 de Hotel, que hacen las delicias de tantas personas que aman la naturaleza y no quieren renunciar a la comodidad.

ICON: lagranja.

2009-05-19T17:59:00.008+01:00

Las bases de lagranja surgieron en una isleña costa pacífica durante el verano de 2001. Poco después Gerard Sanmartí y Grabiele Schiavon aplican toda su creatividad en fundar un ideal donde el diseño, la arquitectura y los montajes efímeros caminan de la mano.

Dicen que escuchan tanto al instinto como a la propia razón. Su único estilo definido es la actitud, y es así como nacen productos y proyectos alegres, enérgicos, optimistas y rebosantes de vitalidad. Dejando atrás cualquier tipo de barreras conceptuales, lagranja se mueve entre diferentes modalidades permitiendo que una engrandezca a la otra.

Son un equipo, sin duda alguna, versátil.
Durante estos últimos años la empresa ha colaborado con prestigiosas marcas de renombre del mundo del diseño. De igual manera hay llevado a cabo diversidad de proyectos internacionales tanto en el proyecto de espacios corporativos (Benetton o Pan&Company, entre otros) como en el montaje de exposiciones y museos.

Uno de sus últimos proyectos lleva implícita reminiscencias a la naturaleza. Lo sencillo se convierte en complejo. De esa idea nació Coral, una juego de lámparas altamente decorativas que se rigen por los un de los principios que regula el crecimiento de la naturaleza: un modulo simple se repite una y otra vez, a modo de fractal, para convertirse en una lámpara de verdadera capacidad visual.

FOCUS: Lámpara Chromosoma

2009-05-18T10:23:00.000+01:00

Del diseñador madrileño Javier Alejandre, nos llega esta lámpara llamada Chromosoma. Su principal característica es la posibilidad de que cada usuario cree su propio modelo, siendo para cada persona una lámpara diferente, como el árbol genealógico familiar.

Las piezas están hechas a base de cerámica vidriada de color blanco. Para crear la forma personal que cada uno decida, contamos con dos piezas principales, la base y la sucursal.

A éstas se unen otras piezas como cromosomas, creando nuevas formas y diferentes alturas, hasta decidir una final, de manera que el usuario consiga una identidad personal.

Esta lámpara fue presentada en el Salon del Mobile de Milan de este año en el cual, tuvo una muy buena acogida.

Para entender un poco mejor su funcionamiento, recomendamos ver este video.

OBSESSION: Mesas con estilo.

2009-05-17T12:41:00.003+01:00

Soy una aficiona a coleccionar libros sobre diseño y arquitectura: desde que descubriera empresas como Taschen o Blume no paro de adquirir libros; e incluso creo que alguno de ellos deberían llevar el subtítulo de obra de arte.

Sé cuál será mi próxima adquisición. La autora es Caroline Clifton Mogg y la editorial Blume.

“Mesas con Estilo” es un libro dedicado a la capacidad de poder convertir una simple mesa en parte de un museo de arte. Contar con un espectacular servicio de mesa no es cuestión de dinero, ni siquiera tiene nada que ver con tener las alacenas repletas de vajillas de diferentes estilos y decenas de diferentes cuberterías, aunque nos encantara a todos. Conseguir que nuestra mesa se torne en todo un espectáculo es mucho más sencillo que eso y sorprender a nuestros invitados se volverá un juego de imaginación y elegancia, claves para conseguir una mesa acogedora y llena de estilo.

En el libro, varios diseñadores y decoradores de diversas partes del mundo exponen sus particulares estilos a la hora de decorar la mesa. “Mesas con estilo” es una manera de ofrecernos consejos e inspiración para ayudarnos a crear nuestros propios servicios de mesa…todo con un poquito de creatividad y pelín de esmero.

COLLAGE: Ganador de Talentos Design' 09

2009-05-15T11:43:00.000+01:00

Ya en diciembre hablaba sobre un concurso creado por el Banco Santander en colaboración con Universia para promover el diseño sostenible entre los diseñadores más jóvenes, Talentos Design’09.

Pues bien, el ganador ya ha sido elegido. Se trata de Pablo Montilla, un estudiante del Instituto Europeo Di Design de Madrid y cuyo proyecto se llama “Non Smoke Stove”, una cocina sostenible para la cual contó con la colaboración de las ONG’s “Plan España” y “Ayuda en Acción”.

La cocina funciona con materiales naturales proporcionando un bajo consumo de leña, ausencia de humo y hollín y por lo tanto una fácil limpieza. El diseño tiene en cuenta la tradición, los materiales locales, la ergonomía y la higiene.

Con este diseño de fácil construcción, creado para las zonas rurales de Guinea Bissau, se solucionaría la cocción de los alimentos a base de materiales que pueden sacarse de cualquier suelo de la naturaleza.

Dos ejemplos más de su ecodiseño, son “Exnatura” un puf con respaldo hecho 100% de materiales naturales y “Foldingchair” una silla plegable para llevar a los niños en las bicicletas, con una estructura de aluminio curvado y exterior con lona.

“Non Smoke Stove” fue su tesis tras terminar sus estudios de Diseño Industrial y actualmente estudia el máster de escenografía a la vez que trabaja en el departamento de comunicación e interiorismo de Ikea.

VINTAGE: André Ricard y el Cenicero Copenhague.

2009-05-14T12:33:00.009+01:00

Hoy ya no está de moda el fumar pero en unos años 60 en busca de cosas nuevas fumar era toda una seña de identidad, una manera de hacerse notar y de crearse una estética propia. Fue en aquella época cuando André Ricard llegó con su Cenicero Copenhague, un diseño discreto y elegante, que se ha convertido en objeto de estudio obligado para alumnos y especialistas del diseño industrial. Un objeto que, para los que afortunadamente no son ya fumadores, Para los que en buena hora no son fumadores, puede en todo caso exhibirse como pieza de fuerte contenido histórico, objeto ícono del diseño de los años 60.

André Ricard nace en Barcelona en 1929 en una época en que el diseño apenas existe, de ahí su formación autodidacta, apoyada por un entorno familiar artístico, estudios de arte y cuatro años de viaje por Europa, donde estudia y hace prácticas teniendo la oportunidad de diseñar escaparates y stands para ferias.

Abril Eau d´Toillette. Para Victoria & Lucchino.

Al leer un libro de Raymond Loewy tiene conocimiento de que existe una profesión llamada diseño industrial. Escribe a Loewy al que visita en Nueva York en 1956. Loewy le introduce en el mundo profesional de entonces.

Pinzas Orion.

En Barcelona contacta con unos arquitectos interesados en el diseño entre los que destaca Antonio de Moragas. Juntos, entre otros, fundarán l´Agrupació de Disseny Industrial del Foment de les Artes Decoratives (ADI FAD), en plena época de renovación estética y social. La labor de André Ricard en la representación y el reconocimiento internacional del diseño español será una constante en su carrera profesional.

La famosa batidora Moulinex también es un clásico de Ricard.

Sus primeros trabajos como diseñador fueron para porcelanas Bidasoa, trabajos que llamaron la atención de un empresario con el que mantendrá una relación profesional durante muchos años, Antonio Puig. Su actividad como diseñador industrial ha poblado de objetos comunes la mayoría de hogares españoles. Sus objetos nacen para formar parte del paisaje doméstico cotidiano.

Embalaje para el Mítico perfume Agua Brava, de Antonio Puig.

El espíritu de cambio que marcó la década de los 60 no estuvo ajeno a la historia del diseño industrial y tampoco en la trayectoria de Ricard. En esos años, surgen nuevos modos de entender la relación producto usuario y entran en auge investigaciones sobre la utilización de nuevos materiales. Es así que comienzan a emplearse el tecno polímero en la elaboración de algunos objetos.

En este contexto, André Ricard crea en el año 1966 el famoso cenicero Copenhague, el cual estaba fabricado en plástico, un material hasta el momento asociado con lo barato y descartable. La pieza, ante todo funcional, sedujo por la original simpleza de sus formas, lo cual se constituyó, sin dudas, en el mayor atractivo.

El Copenhague es cilíndrico y realizado con aditivos que lo hacen indeformable ante el calor. Posee una muesca para apoyar el cigarrillo y un centro especialmente dispuesto para apagarlo. Tiene una profundidad suficiente como para contener las cenizas de manera segura; es tan práctico que se puede usar individualmente y luego apilarlo con otros. Sus colores emblemáticos son el rojo y el negro.

Por su labor como diseñador, André Ricard ha cosechado numerosos galardones y trabajado para marcas internacionales de éxito indudable. Además de haber creado muchos de los iconos del diseño español. Seguro que todos hemos tenido más de una vez algun trabajo de Ricard en la mano sin apenas darnos cuenta de que teniamos un hito de la historia española con nosotros.

ESPACIOS: Hotel Bloom.

2009-05-13T00:01:00.000+01:00

En el mismo centro de la ciudad, a tan solo unos pasos de los principales museos y de la conocidísima Grand Place, encontramos el último hotel boutique de Bruselas, el Hotel Bloom.

Un lugar de referencia donde arte y arquitectura se funden sobre una decoración minimalista con el blanco como color estrella.

El Hotel Bloom cuenta con 4 tipos de habitaciones que conforman una oferta de más de 300 habitaciones, con la curiosidad de que todas están personalizadas de forma única con grandes murales decorativos.
Cada mural decorativo ha sido realizado por un artista diferente, invitado por el hotel para alojarse en la habitación y dejar su “huella artística”. Una manera originalísima de plasmar algo único e irrepetible en cada una de las estancias.

Los huéspedes que se alojen en el Hotel Bloom, pueden contactar con los artistas, además de consultar amplia información acerca de su biografía y obra. De manera que el resultado es una decoración excepcional y la gratuita promoción del artista en cuestión.

En la planta baja del hotel se encuentra Smoods, dedicado a la restauración y al relax, un gran “salón” donde disfrutar de la gastronomía y de la música.

El hotel, decorado bajo 7 conceptos diferentes a elección del artista -Passion, Safari, Bling-Bling, Aqua, Bazaar, Spring y Flower Power- se ha convertido en uno de los sitios de moda de la ciudad de Bruselas.

Dentro de la oferta gastronómica del hotel encontramos también el OO! especializado en desayunos, un lugar para cargar las pilas antes de visitar la ciudad rodeado de la decoración más vanguardista.

Si vas a visitar Bruselas y buscas un hotel céntrico, donde la decoración trasmita sensaciones y puedas disfrutar de la música, la gastronomía y el arte, el Bloom es una opción más que recomendable.

Si te apetece descubrir más murales decorativos o saber algo sobre alguno de los artistas que han colaborado con el Hotel Bloom solo tienes que acceder a su web, una pagina llena de sorpresas. www.hotelbloom.com

ICON: Timothy Schreiber

2009-05-12T10:57:00.004+01:00

Timothy Schreiber estudió arquitectura y diseño en la Universidad de la Bauhaus de Alemania y en Reino Unido. Tras trabajar durante tres años en Alemania, se mudó a Sidney, Australia donde se vio involucrado en una gran variedad de proyectos internacionales de arquitectura y diseño.

Australia le dio muchas oportunidades tales como permitirle trasladarse a Beijing y Shangai en 2004 y 2005 para diseñar el centro acuático para las Olimpiadas de 2008.

Su trabajo no deja indiferente a nadie, combinando el confort con la funcionalidad y mezclando su inspiración en la naturaleza con el uso de la más reciente tecnología.

Sus diseños son resultado de una continua ambición y desafío para explorar los límites entre el diseño digital, el diseño sostenible y el análisis de la estética, a través de un exhaustivo estudio de la forma.

Describe su propio estilo como pop-modernista, y su diseño vanguardista combinado con formas orgánicas ha hecho que gane diversos premios, entre ellos el “Red Dot Design” en 2006,2007 y 2008, siendo el único en conseguirlo tres veces consecutivas.

Actualmente reside en Londres donde continúa explorando entre la arquitectura y el diseño.

FOCUS: Lámpara Rock, de Foscarini.

2009-05-11T11:07:00.003+01:00

Esta maravilla fue concebida por el Equipo creativo de Diesel para la marca Foscarini y presentada en el Euroluce 2009 de Milán.

Rock, es una lámpara de suspensión de gran impacto visual y de fuertes contrastes. Su nombre proviene de la imagen de una roca volcánica que al contemplarla nos viene a la cabeza. La lámpara revela en su interior un cristal claro y centelleante. Una contraposición entre la oscura superficie externa, que cubre y es áspera, casi esculpida de forma casual, y la interna clara, brillante y cambiante. No podríamos decir cual de las dos partes de la lámpara es más llamativa, pero lo que es verdad es que ambas tienen un fuerte poder decorativo.

Su forma es cautivadora y su color oscuro punteado en briznas doradas otorga a Rock una áurea de misterio que deja espacio, cuando está encendida, a la luminosidad de las mil caras asimétricas que reflejan la luz.

Rock, que sorprende por sus peculiaridades inolvidables y la forma inconfundible de los rasgos arquitectónicos, es ideal en contextos decorativos tanto particulares como públicos, gracias al fuerte carácter decorativo.

La lámpara tiene un diámetro de 500 milímetros y una altura de 2 metros.

OBSESSION: Wave Chaise Longue

2009-05-10T13:25:00.000+01:00

Hace tiempo que vi mi obsession de hoy. Se trata de una creación de la diseñadora brasileña Roberta Rammê, un módulo para una habitación juvenil nada convencional.

Se llama Wave Chaise Longue y contiene todos los elementos que suelen estar en las habitaciones de los más jóvenes. Con una estructura en forma de ola, tiene una parte acolchada que funciona como cama para descansar o dormir, una pared en frente donde se encuentra la tele y varios sistemas de almacenamiento para cd’s y dvd’s .

Además, en la parte trasera de la pared de la tele, se incorpora un escritorio para el estudio y ratos en el ordenador. El concepto ha sido inspirado por los valores y la personalidad de un adolescente en una cultura donde predomina la tecnología.

Así mismo tiene un sistema de audio y de iluminación incorporado que hace aun más completa esta singular Chaise Longue. Disponible en rojo y negro, es sin duda un innovador concepto que combina diseño y funcionalidad de una manera impecable.

OBSESSION: Colección Agrícola, de Spaziomisura.

2009-05-10T12:02:00.002+01:00

Ya en varias ocasiones he aprovechado mi entrada para hablar sobre diferentes tipos de cuberterías. Es algo que, como norma general me llama mucho la atención, y más cuando se trata de una cubertería llamativa, original y de muy buen gusto. Unos buenos cubiertos adornan cualquier mesa; el buen gusto y la creatividad deben primar a la hora de poner la mesa. La vajilla, los accesorios y, cómo no, los cubiertos deben ser productos prácticos que además destaquen por su diseño.

En esta ocasión me he dejado deslumbrar por la colección Agrícola, una cubertería de 24 piezas que nos propone la firma Spaziomisura. La procedencia de su nombre no será motivo de duda. Éste viene dado por la inspiración rural en el diseño de las piezas.

El cuchillo semejante a una hoz, muestra una forma estilizada y elegante, una sinuosa curva es su punto clave. El tenedor por su parte, destaca por su originalidad y su sorprendente acabado similar a una horca: de líneas sencillas pero altamente llamativas. Por último, las cucharas, se asemeja a una pala.

Un diseño campestre con un toque modernista. La perfecta combinación entre tradición y tendencias vanguardistas. ¡¡¡Y sólo por 40 euros el juego!!!

TETE A TETE: Ron Arad

2009-05-09T12:15:00.000+01:00

Si hace algunas semanas hablamos del increíble diseñador israelí Ron Arad, esta semana traemos una entrevista concedida a Interior Design en Enero, en la que da muestra una vez más de por qué es uno de los arquitectos futuristas más reconocidos.

¿Ves el estudio de las piezas como arte funcional, muebles esculturales, u otra cosa?

Con algunas piezas del estudio en forma de sillas, puede intentar sentarse en ellas en la galería y encontrarse cómodo, pero no fueron diseñadas para el mercado de nuevas chaise longues. Es un conjunto de criterios diferentes, acerca de los diferentes placeres.

¿Cómo se creó el estudio de las piezas?

Para muchos de ellos, solicito préstamos a la industria aeronáutica. Usamos un aluminio superplástico que es rico en magnesio y te permite pulir el metal y reflejar un increíble acabado que parece de acero inoxidable – tras una mano de obra muy intensiva. El aluminio se forma en Londres y el corte, pulido y soldado, en mi estudio en Bélgica.
Mi mesa de ping-pong es de bronce y acero, formado por soldadura, algo que ellos decían que no debería hacer nunca. Yo hice caso omiso.

¿Cómo describes la evolución de viejas a nuevas piezas?

En el principio, he disfrutado de las limitaciones de hacer sólo lo que podría hacer en mi taller en Londres. Empecé con objetos encontrados y readymades. Entonces comencé a cepillar el acero. A medida que mis habilidades se desarrollaban, no podía permitirme ser ingenuo y primitivo nunca más. Soy un alumno rápido. Fui a Italia para obtener cierta distancia, abriendo un taller allí en 1994, y más tarde amplié el espacio en Bélgica.

¿Cuáles han sido tus mayores influencias?

Todo es una influencia. Lo que he escuchado y leído. Lo que veo cuando miro a través de la puerta del estudio. Incluso cuando un automóvil se estrella contra una farola. No tengo una afinidad o lealtad a cualquier tipo de objeto o período de la historia.

¿Distingues tus muebles y objetos de tu arquitectura e interiores?

Obviamente, hay una diferencia de escala, pero las conexiones proceden de cosas que se acercan a la misma mirada. La arquitectura ciertamente implica un mayor número de personas y más negociación. Cuando estoy haciendo el estudio de las piezas, no tengo que negociar nada con nadie.

¿El trabajo en una disciplina no influencia a las demás?

Absolutamente. El arte influye en la arquitectura y viceversa. El trabajo que hacemos, estudiar, dibujar, hacer - es nuestra mayor fuente de inspiración, aunque odio esa palabra. De que todo funciona dentro de su órbita.

¿Qué crees que revela el MoMA y el Pompidou acerca de ti?

La gente verá un montón de cosas diferentes de diferentes épocas, objetos que nunca han "conocido" entre sí antes - como los hermanos separados al nacer, reunidos por primera vez. Muchas de las piezas estarán en ambas exposiciones, pero habrá algunas en el MoMA que no existen todavía, por lo que la exposición será exactamente la misma aunque completamente diferente.
La mayor diferencia será una importante instalación en el MoMA, con mucho, el más ambicioso de trabajo en la exposición. Se llama Jaula sin Fronteras, y es una pieza única de las células de acero inoxidable y de acero Cor-Ten, casi 120 pies de largo, 40 pies de ancho y 16 pies de altura. No sabes lo que es lo que está dentro y fuera.

COLLAGE: Semana del diseño de Belgrado 2009.

2009-05-08T11:07:00.005+01:00

De 25 de mayo al 31, la Semana del Diseño de Belgrado vivirá por cuarta vez la transformación de Belgrado en una plataforma para el mundo del diseño de escena, un lugar de inspiración para la creatividad y el intercambio de las tendencias más recientes en los campos del diseño, la arquitectura, la marca y las comunicaciones.

El título de este año es SPEED2, sin duda un nombre creativ, como respuesta a nuestro mundo que cambia rápidamente. En la feria se reunirán, una vez más, participantes de todo el mundo, romper moldes y presentar los diseños más creativos e ideas innovadoras, reduciendo la brecha entre las normas mundiales y las empresas locales.

Por otro lado BELGRADE2 volverá a movilizar las capacidades creativas de la ciudad a través de numerosas exposiciones, foros de discusión, talleres y presentación de lo que la convierte en capital creativo de diseño de europeo.

VINTAGE: Ericofon

2009-05-07T16:34:00.004+01:00

Uno de los recuerdos más fuertes de mi infancia es el Ericofon rojo de la casa de mi abuela. Todos los nietos nos encantabamos jugar con ese teléfono llamado “la cobra” por su aspecto y hasta el día de hoy sigue utilizandose con frecuencia de toda la familia.

El Ericofon es un gran clásico en Suecia y muy demandado de entusiastas del diseño y antiguedades. Fue lanzado en 1956 por LM Ericsson, ahora también conocido por sus teléfonos móviles, y fue un gran éxito gracias a su diseño "todo en uno" con el auricular y teclado en una misma pieza.

El teléfono se vendió hasta el 1982 en 2 510 000 ejemplares y producido originalmente en 6 colores; Rojo, Verde, Azul, Gris, Blanco-Beige/Marfil, Gris Oscuro/Charcoal.
Introducidos en 12 colores más para la exportación 1957; Accent Green, Aqua Mist, Chartreuse, Dusty Rose, Golden Glow, Nordiq Blue, Royal Dubonett, Princess Pink, Riviera, Sahara, Sandalwood. El rojo y el verde menta fueron los más solicitados.

El teléfono se puso en marcha en el mercado de los EE.UU. con gran éxito, y se vendio también en países como Italia, Australia y Brasil.

ESPACIOS: Yellow Treehouse

2009-05-06T13:37:00.003+01:00

Para la publicidad de las páginas amarillas de Nueva Zelanda, no se les ocurrió otra cosa que demostrar que cualquier proyecto puede llevarse a cabo con la ayuda de este directorio telefónico. Prueba de ello es el Yellow Treehouse, un restaurante situado en un árbol y cuya construcción se llevo a cabo buscando todos los productos y servicios necesarios en estas páginas.

A diez metros de altura en un árbol secoya, se encuentra este restaurante diseñado por Peter Eising Arquitectos y cuya idea surgió al pensar en nuestros sueños infantiles de tener una casa en un árbol.

La forma del Yellow Treehouse está inspirada en la naturaleza, recordándonos a una crisálida de la cual saldrá una mariposa o a una verdura tan común como la cebolla. La estructura principal es de madera y la superficie está cubierta de aletas laminadas de pino.

Sin duda algo a destacar, es la excelente iluminación que hace que el restaurante luzca como una luciérnaga en la oscuridad o como un faro que ilumina toda la noche. Así mismo para llegar al restaurante se cuenta con un paseo de 60 metros iluminado de manera elegante y discreta.

En su interior sólo hay capacidad para 18 personas, incluyendo el personal y sus dimensiones son de 10 metros de ancho por 12 de altura. Además desde el restaurante se tiene una excelente vista de 360º sin obstáculos alrededor!

Quizás sea por todo esto (o tal vez por la publicidad) que el restaurante Yellow Treehouse sólo está disponible bajo reserva y en este momento ni así, dado que tienen todas las reservas de esta temporada cubiertas… habrá que esperar para poder disfrutar de él.

ICON: Javier Mariscal.

2009-05-05T14:39:00.012+01:00

En 1950 nacía en Valencia Javier Mariscal, 20 años después se independiza y viaja a Barcelona lo que lo convertirá en uno de los artistas más polifacéticos de todos los tiempos.

En 1970 Mariscal inicia sus estudios de diseño en Elisava. Este periodo de su vida le influiría tanto que desde entonces no ha parado de dibuja Barcelona como si la descubriera siempre por primera vez.

Pocos años tras instalarse en Barcelona a Mariscal comienzan a lloverle los trabajos. Publica su primer comic inspirado en la ciudad Catalana y consigue su primera exposición donde, ayudado por sus amigos y con un bajo presupuesto, da vida a las viñetas de sus cómics, a sus personajes.

A partir del 78 Mariscal afronta nuevas propuestas y pasa del dibujo al cristal pintado, la decoración, las telas…es el principio de un largo camino.
Solo un año después unas simples sílabas se convierten en uno de sus trabajos más conocidos y en una seña de identidad de Barcelona. BAR-CEL-ONA.
El taburete Dúplex fue su primer mueble, diseñado en 1980. Los siguientes años sigue trabajando mientas se dedica a recorrer mundo, simplemente viendo cosas: California, Japón, Milán…todas las ciudades que recorriera por aquella época se convirtieron en parte de su trabajo.

En 1987 llega un nuevo proyecto: diseñar la nueva mascota para los JJOO del 92, que se celebrarían en Barcelona. El COI queda impresionado por la propuesta de Mariscal y Cobi pasa a formar parte de la historia, siendo una mascota vanguardista, inesperada, atrevida.
En 1990 nace el Estudio Mariscal y durante su primer año de vida lleva acabo varios trabajos importantes entre los que personalmente destaco la imagen corporativa de Onda cero.

Por fin llegan las olimpiadas en el 92 y el diseño de Mariscal pasa a ser el mayor éxito de marketing del Comité Olímpico Internacional.

Durante los años posteriores nuevos trabajos acaparan la atención del Estudio y lo conducen hasta convertirse en una de las empresas más y mayor consolidadas del territorio nacional.

En 1999 el diseñador recibe el Premio Nacional de Diseño y durante los años siguientes los proyectos realizados por el Estudio son innumerables y reúnen todas las disciplinas habidas y por haber.

Paso de ser dibujante a uno de los diseñadores más polifacéticos y respetados. Hoteles, películas, series de animación, imágenes corporativas, libros, fotografías, exposiciones, esculturas, objetos, muebles, proyectos educativos, sociales…todo lo que se nos pueda pasar por la cabeza ha pasado por manos de Mariscal.

Entre sus últimas creaciones podemos encontrar un libro de cocina ilustrado, la imagen de Camper, la película de animación, una colección infantil para Magis, una oficina online para Bancaja, la imagen gráfica para la America´s Cup, papeles pintados y un sinfín de proyectos que no tendríamos tiempo de enumerar.

Desde Trífora prometemos que en otra ocasión volveremos a hablar y a informaros sobre la increíble trayectoria de este diseñador español que tanto nos gusta.

FOCUS: One tetera

2009-05-04T22:41:00.004+01:00

ONE es una tetera gráfica de acero inoxidable revestida de esmalte. Comienza como blanco, pero como la tetera se calienta aparece el dibujo gráfico de azul y blanco. Tiene una parte de silicona, resistente al calor, para facíl transporte desde la placa a la mesa.

Diseñado por Vessel, teneindo en cuenta tanto la preparación como la presentación.

OBSESSION: Valencia

2009-05-03T21:55:00.004+01:00

La OBSESSION de ésta semana la dedico a mi nueva ciudad preferida; Valencia! Estoy aquí para visitar a una amiga Trífora que esta estudiando diseño de interiores en el EASD. Hemos pasado unos días fantásticos con mucho sol y buen tiempo (por no mencionar el conciertazo de Lenny Kravitz..!).

Valencia es una ciudad grande pero aún así no te agobias de la gente ni el tráfico. Es perfecto para pasear todo el día y en bicicleta te mueves perfectamente.

Como es la ciudad de donde recide Santiago Calatrava, entendemos que la arquitectura moderna es muy interesante pero también hay muchos edificios antiguos y un casco viejo precioso.
Locales guapos hay que sobra y también es un buen sitio para compras tanto de ropa como de decoración ya que la llaman la ciudad de muebles.

Yo la verdad que estoy encantada con ésta bonita ciudad y volvere pronto!

OBSESSION: Alexandros Vasmoulakis

2009-05-03T19:44:00.000+01:00

No es la primera vez que digo que el arte urbano me apasiona… Aunque muchas veces se confunda con vandalismo, no es el caso del artista del que hablaré hoy: Alexandros Vasmoulakis.

Este griego nacido en 1980 en Atenas se dedica a pintar impresionantes murales de unas dimensiones enormes en las fachadas de los edificios y otras superficies en los grandes espacios urbanos.

Sus obras son de un colorido extraordinario y un estilo único y personal. Al admirar su obra nos resulta sorprendente que todas ellas se lleven a cabo de principio a fin con brocha y pincel… el resultado es fantástico!

Estudió Bellas Artes y actualmente trabaja como freelance y reside en Berlín. El propósito principal de su obra es comunicar, por eso la mayor parte de su trabajo es personal. Sin embargo, también ha hecho murales de resultado impresionante para marcas como JB o Nike.

Es estupendo poder apreciar el talento de un ilustrador en otras dimensiones… y por esto quizás, por lo que Alexandros Vasmoulakis se ha convertido en una de las jóvenes promesas del arte griego.

OBSESSION: Poltrona Regina II.

2009-05-03T13:29:00.003+01:00

Regina II es una reinvención de su antecesora. Una creación del diseñador italiano Paolo Rizzato para Poltrona Frau. Rizzato es una clara referencia en el diseño del país y también del internacional con productos clásicos como “Constanza” o “Berenice”.

Se trata de un diseño extremadamente moderno de la poltrona tradicional en una versión giratoria. Un diseño confortable, acogedor pero con una gran simplicidad visual.

El asiento y su respaldo toman forma de una especie de caparazón de poliuretano rígido, reforzado y tapizado en la agradable piel Pelle Frau®, contando con un nuevo diseño que añade puntadas en la parte frontal del respaldo.

La base de acero cuenta con un acabado lacado. La colección incluye un cómodo puf para acompañar a Regina 2.

El modelo se comercializa en una infinidad de colores diferentes desde que fuera presentada recientemente en Salone Internacional del Mueble de Milán 2009.

TETE A TETE: Matt Sindall.

2009-05-02T00:01:00.003+01:00

Matt Sindall nacía en Gran Bretaña durante 1958. Comenzó su trayectoria como diseñador en el Teatro Nacional de Londres, mudándose después a la mismísima BBC, donde desarrollaba el puesto de director de arte y diseñador en varios programas televisivos que tuvieron mucho éxito. En 1990, Jean-Michael Wilmotte invitó a Sindall a trabajar para él y su equipo en París. Sindall aceptó la proposición y aprovechó la oportunidad para seguir trabajando en sus propios proyectos y ganar experiencia.

Sindall ha participado en numerosas ediciones del programa “VIA” y ha trabajado para marcas tan prestigiosas como Renault o Michelin, diseñando sus espacios expositivos.

Gracias a la experiencia ganada a lo largo de su carrera Sindall ha ejercido como profesor en la Escuela Superior de Arte y Diseño de Reims, además de haber colaborado en la Bienal de Diseño de Saint- Etienne.
Sindall cree que la idea de diseño y diseñador está muy preconcebida, muy desgastada. Cree que “un buen diseñador debería mantener los pies en la tierra sin bajar nunca la cabeza de las nueves”.

La clave de su filosofía es no olvidar nunca quien eres, de donde provienes. La cabeza de un diseñador es la parte vital de sus creaciones, es su autenticidad. El la sigue a raja tabla, y gracias a ella ha creado la mayoría de sus mejores piezas.

Aquí podéis escuchar de su boca su manera de ver y vivir el diseño, tomad apuntes porque son muy buenos consejos.

¡Que lo disfrutéis!

COLLAGE: Frozzen Magazine

2009-05-01T23:57:00.003+01:00

Trifora orgullosamente os presenta un nuevo proyecto desde las islas canarias, realizado por dos diseñadores gráficos muy creativos, que se presentan a continuación:

FROZZEN MAGAZINE es una revista digital gratuita. Un proyecto creativo que brinda su apoyo a toda mente inquieta en cada una de las ediciones. Diseñadores, ilustradores, fotógrafos, deportistas y músicos tendrán cabida en dicha publicación, junto a diferentes secciones dedicadas a motion graphics, arte urbano, o incluso estudios o agencias de publicidad. Todo ello bajo un ejemplar que verá la luz cada tres meses y que podrá ser visualizado o descargado directamente desde la propia web.

Así pues, por cada edición de la revista, se realizará una muestra de la misma en diferentes locales, contando con la participación directa de los asistentes.
El objetivo principal de este proyecto no es otro que dar a conocer la obra de diferentes artistas y pasarlo bien durante todo el proceso creativo entre risas a tutiplén y algún que otro desvarío.
FROZZEN MAGAZINE nace como un proyecto de desahogo creativo por parte de dos diseñadores gráficos, donde podemos dar rienda suelta a nuestras inquietudes.
Sean bienvenidos!

VINTAGE: Relojes de pared, por George Nelson

2009-04-30T10:46:00.006+01:00

En más de una ocasión hemos hablado en Trífora del polifacético artista George Nelson. No es un secreto que Nelson fue un adelantado a su tiempo y que muchos de sus diseños no desentonarían en absoluto en el interior de cualquier casa de hoy en día.

Precisamente esto es lo que pasa con su colección de relojes de pared que, aun siendo diseñados a principios de los 50, destacan por su originalidad y su aspecto contemporáneo.

No hace mucho, Vitra decidió sacar una reedición de estos relojes, siempre fieles al diseño original y en materiales tan comunes como el metal y la madera, eso sí con un mecanismo de cuarzo de alta calidad.

La reedición incluye 12 relojes de pared coloristas con ciertos aires que recuerdan a los trabajos de Sandro Girard, además de alguno con referencias científicas puesto que reproducen la estructura del átomo.

Relojes ideales para los que quieren añadir un toque algo retro y de estilo pop en su pared ;)

ESPACIOS: Hotel Cocoon.

2009-04-29T11:03:00.000+01:00

En 1985 Ron Howard dirigió un film en el que un grupo de ancianos norteamericanos rejuvenecía al exponerse a una forma de vida alienígena que residía en el fondo de una piscina cercana a su residencia. Casi 20 años después la película en cuestión, Cocoon, inspiraría al arquitecto del primer hotel del mundo con forma de nave espacial. Cocoon es un hotel situado en una paradisiaca playa de Salvador de Bahía. Un edificio frio, mecánico, que ofrece al visitante una experiencia inesperada y única. Una mezcla de minimalismo y colores vibrantes; un conjunto que fusiona los materiales futuristas con la tradición bahiana, creando un perfecto equilibrio entre arquitectura y naturaleza, un contraste entre retrofuturismo y un paraje selvático costero.

El hotel simula una nave espacial que ha aterrizado en un bosque de bambú, integrándose perfectamente con el entorno. La amplia y luminosa terraza está sostenida por las paredes de bambú de las propias habitaciones del primer piso, siendo además acceso a las del segundo. Una combinación de estilo moderno y étnico, una fusión entre futuro y tradición.

El hotel cuenta con sólo 27 habitaciones, ofreciendo así un trato cuidado y personalizado, donde el cliente no puede estar exento de nada. Cada uno de los muebles de las habitaciones, al igual que del resto de las salas del hotel, reflejan el concepto del edificio: la combinación de las últimas tecnologías con las tradiciones.

Las habitaciones son relajantes, incitando al sueño, aunque a la vez chocantes, con su hormigón gris y su madera clara, sus bañeras transparentes y curvilíneas y sus impecables camas de sábanas de seda.

Por otro lado el salón del bar, que da a la terraza de la piscina, no sólo es el centro neurálgico del hotel, sino también, en un sentido mas poético, una declaración de principios.

Entrar en Cocoon es como entra en una nueva dimensión. Salvador de Bahía es una ciudad tranquila y sencilla, una ciudad obrera y portuaria donde nadie esperaría encontrar ningún hotel de diseño moderno, y menos aún con las características de las que este en concreto hace honor.

Su exterior es tan extravagante que crea desconcierto en cuanto al aspecto que pueda tener su interior, pero sin duda alguna este no defrauda, sino que contribuyen al halo de misterio que rodea al hotel.

ICON: Hanna Werning

2009-04-28T21:05:00.000+01:00

Hanna Werning es uno de los diseñadores suecos de mayor éxito ahora mismo y es fácil entender por qué. Su estampados de plantas y animales son imposibles de no amar.

Hanna Werning es diseñadora gráfico, formada en el Central Saint Martins College of Art & Design en Londres, donde también vivió y trabajó durante seis años. En el verano de 2004 se trasladó de nuevo a Suecia para crear su propia empresa Spring Street Studio.

Hanna está trabajando en un amplio espectro de diseño, que va desde exposiciones, identidad gráfica, productos para el hogar, ilustraciones, tanto como sus propios proyectos y misiones para clientes.

La especialidad de Hanna es hacer estampados para textiles y papel pintado. Ha diseñado para empresas como IKEA, Rörstrand, Eastpak y Stüssy. Pero la mayoría de su atención se ha ganado con su propio producto, el papel pintado AnimalFlowers.

En 2004 fue galardonada con el EDIDA, el premio de diseño de Interiores de Elle en Suecia.

FOCUS: Vita

2009-04-27T10:10:00.001+01:00

Vita es un conjunto modular para pared, diseñado por Massimo Mariani para MDF Italia. Los módulos de Vita son cuadrados y se diferencian por la profundidad de los estantes y las diferentes medidas de los armarios.

Está fabricado en fibra de madera de MD en color blanco mate y entre sus características principales destacan la capacidad de adaptación y la posibilidad de transformarlo con el tiempo.

Esto es, por un novedoso sistema a través del cual, por un programa de construcción virtual en internet, se pueden organizar los módulos para adaptarse a sus necesidades además de elegir si quieres que el módulo cuelgue o repose sobre el suelo.

Simplemente, desde casa en la web, buscas el programa, escribes el espacio del que se dispone, los tipos de módulo que desea y el almacenamiento. El programa no parará de crear posibles composiciones.

El nombre proviene de la traducción al italiano del “Game of life” - “Gioco della Vita” (Juego de la vida) diseñado por el matemático John Conway que simula el desarrollo de la decadencia y las variaciones de los organismos vivos.

MDF Italia, líder en el diseño y la fabricación de muebles del mercado de Milán, presentó Vita en el pasado Salone Internazionale del Mobile 2009, por lo que tendremos que esperar un poco para tenerlo en las tiendas. Una espera que sin duda, valdrá la pena.

OBSESSION: Lila para el cuarto del peque

2009-04-26T23:59:00.000+01:00

Frio o calor...
Vivo o tranquilo...
Femenino o masculino...
Infantil o adulto...

El color LILA se enuentra en todos los aspectos. Perfecto para aplicar en el cuarto de los peques de la casa.

Fotos de Family Living

OBSESSION: Luis Vázquez

2009-04-26T15:51:00.000+01:00

Tras la avalancha de visitas desde México, dispuesta a buscar en la red información sobre el diseño mexicano, he encontrado al ilustrador Luis Vázquez, el cual me ha gustado tantísimo, que a pesar de no encontrar mucha información, tenía que escribir sobre él.

Nació en Monterrey, México y tras estudiar Diseño Industrial, lleva más de diez años dedicándose a la ilustración.

Adoro la estética lúgubre y un poco siniestra que usa en muchas de sus ilustraciones, las cuales me recuerdan un poco a las animaciones del gran Tim Burton.

Sin embargo viendo su portafolio, podemos apreciar que otras de sus ilustraciones son mucho más coloridas y alegres, observando detalles mexicanos tales como las típicas máscaras de la lucha libre.

Entre los materiales que usa para sus ilustraciones están los gouaches, acrílicos y acuarelas, cuando no las realiza de manera digital.

En su sitio web además, se encuentra su primer dibujo realizado en 1977 junto con todas las ilustraciones que ha realizado desde 1995 hasta la actualidad.

Gracias a su versatilidad y gran talento, ha conseguido numerosos premios y entre sus clientes destacan marcas tan prestigiosas como Televisa o Cocacola.

OBSESSION: Pure, de Dorte Agergaard.

2009-04-26T00:01:00.000+01:00

Dorte Agergaard es una joven diseñadora danesa de 35 años. En el 2003 se licenció en Diseño Gráfico, pero 4 años más tarde acabó también sus estudios en Diseño textil.

Hoy en día su trabajo de basa en utilizar fotografías e imágenes digitales y aplicarlas a nuevos conceptos, explorando así el día a día, inspirándose en el mundo que nos rodea.

De esta manera la realidad se plasma de una manera novedosa en sus productos, a veces dotados de un toque de humor e ironía. En los últimos años el trabajo de Dorte ha recibido bastante atención por parte de los especialistas, siendo punto de admiración en varias exhibiciones internacionales.

Su última colección es una serie de cojines de gran tamaño y otros productos textiles con imágenes impresas. “Pure” es el nombre de esta idea que basa sus modelos en imágenes de la “pura realidad” de la naturaleza, flashes de hogares comunes como podían ser el tuyo o el mío.

En definitiva, una retrospectiva de nuestra vida cotidiana. Estampados en colores neutros, de esos que combinan con todo y que tan bien quedan siempre.

TETE A TETE: Tadao Ando

2009-04-25T23:21:00.000+01:00

Hace algunas semanas atras pusimos una entrada sobre el gran arquitecto japones Tadao Ando. Hoy publicamos una entrevista con el mismo, cual hemos traducido de la pagina de web Designboom.

¿Cuál es el mejor momento del día?
Ningún momento. Las mañanas, tal vez, debido a la sensación de comienzo.

¿Qué tipo de música escucha usted del momento?
Principalmente clásica.

¿Qué libros tiene usted a lado de la cama?
Estoy interesado en las cosas que ocurren a mi alrededor y tengo que entender lo que pasa en otros sectores artísticos como la música y la literatura. Leo mucho, pero nada me viene a la mente en este momento.

¿Lee revistas de arquitectura y diseño?
No los leo. Sólo los miro.

Supongo que usted observa cómo se visten las mujeresr. ¿Tiene alguna preferencia?
No miro tan de cerca a la moda de las mujeres, pero desde el siglo 20 personas han tenido la libertad de expresarse, y la moda es uno de las formas más fundamentales de hacerlo, hombres y mujeres son igualmente capaces de expresarse.

¿Qué tipo de ropa evita de poner?
Nada en particular.

¿Tiene alguna mascota?
Un perro llamado "Le Corbusier".

¿Dónde trabaja usted con sus diseños y proyectos?
Antes viajaba mucho, para ver la naturaleza, el campo y las ciudades, con un cuaderno de bocetos ... una práctica que sigo hoy. Pero los planos los dibujo en mi oficina.

¿Para quien le gustaría diseñar algo?
Creo que la forma en que vive la gente puede dirigirse un poco a la arquitectura. Me gustaría que mi arquitectura inspirar a la gente a utilizar sus propios recursos, para pasar al futuro. Aunque ahora estamos más y más regulados por la manera americana de pensar, el dinero, la economía ...
Espero que ahora la gente se pasara a una forma más europea (de pensar), la cultura, la individualidad, y que la gente se desplaza hacia nuevas metas. Así que para mí poder contribuir a esto sería genial.

¿Usted habla y intercambia ideas con otros arquitectos?
No mucho.

Describe su estilo, como un buen amigo suyo lo describiría.
Las paredes son los elementos más básicos de la arquitectura, y en todas mis obras, la luz es un factor importante. La razón principal es crear un lugar para el individuo, una zona para uno mismo dentro de la sociedad. Es muy difícil de explicar o describir mi estilo, espero que la respuesta sale de la entrevista.

¿Qué proyecto le ha dado la mayor satisfacción?
Como un arquitecto tienes que hacer tu mejor trabajo para cualquier proyecto, pero para mí la cosa más satisfactoria es cuando la arquitectura hace algo para mejorar la vida de las personas, para inspirar a ellos.

¿Usted intenta a encontrar puntos de encuentro entre las culturas de Asia y Europa?
No los veo como opuestos, el oeste y el este, pero por ejemplo, la sociedad occidental parece estar centrada en la cultura americana. Pero creo que es importante entender que, aparte de la cultura principal, hay muchas otras culturas, y es necesario respetar a todos con sus diferencias.
¿Hay algún arquitecto del pasado que usted admira?
Por supuesto he aprendido de la historia, del renacimiento, de Mies van der Rohe, Le Corbusier, Terragni ... muchos arquitectos.

¿Que arquitectos actuales aprecia usted?
Como con las obras del pasado, como arquitecto tienes que mirar alrededor y ver lo que los contemporáneos están creando, para mis contemporáneos tengo respeto y interés.

¿Siempre quería ser arquitecto?
Desde el principio sí, pero en mi vida he hecho muchas cosas, una temporada era un boxeador ... Nunca fui un buen estudiante. Siempre he preferido aprender cosas por mi cuenta.

COLLAGE: Lightfair International

2009-04-24T12:58:00.004+01:00

La mayor feria anual de iluminación arquitectónica y comercial Lightfair International, celebra su vigésima edición el próximo mes de mayo, en Nueva York.

Además de exhibiciones sobre las últimas tecnologías y avances en iluminación, esta feria ofrecerá seminarios y conferencias en las cuales, se contará con conferencistas magistrales.

Lightfair International 2009 y sus más de 500 fabricantes lideres en iluminación, esperan una asistencia de más de 20.000 profesionales del diseño, iluminación, arquitectura e ingeniería.

El evento está organizado por la Asociación Internacional de Diseñadores de Iluminación en colaboración con la Sociedad de Ingenieros de Iluminación de Norteamérica.

De lo más destacado esta edición sin duda es un pabellón de iluminación y un premio por parte de la feria a la innovación de los nuevos diseños.

Todo esto y mucho más se podrá disfrutar desde el 5 al 7 de mayo en el centro de convecciones Jacob K. Javits en Nueva York.

VINTAGE: SAS Royal Hotel, por Jacobsen.

2009-04-23T00:01:00.000+01:00

En 1956 Arne Jacobsen recibió la tarea de crear un rascacielos para la compañía aérea SAS, el primero realizado en Dinamarca. Situado en el centro de Copenhague, debía contener una terminal del aeropuerto así como también un hotel. El edificio estaba dividido en dos secciones, - una base horizontal baja, conteniendo el vestíbulo, la terminal del aeropuerto, el restaurante y la barra y una torre de apartamentos donde se alojaría el hotel.

El SAS Royal Copenhague, diseñado desde sus cimientos por Jacobsen, posiblemente sea el primer hotel de diseñador del mundo. Jacobsen se responsabilizó de hasta el último detalle: desde el mobiliario personalizado (sus famosas sillas Egg y Swan fueron diseñadas cuando tenía este proyecto en mente) hasta el perfil abrupto y altísimo del edificio que lo alberga, inspirado en la fachada de cristal del original Lever House de Nueva York.

El mobiliario fue una proeza absoluta. Iconos modernos del diseño como "Egg", "Swan", "Drop”, fueron creados expresamente para el hotel. Sus formas esculturales constituyeron un contraste interesante para el edificio angular. Además del mobiliario también diseñó cristalería, vajillas, herrajes y telas.

De todos estos complementos cabe destacar la cubertería, que años después fue elegida por Stanley Kubrick para que comieran con ella los protagonistas de su película 2001, una odisea del espacio. Corría el año 1969 cuando aquella historia se filmó y 40 años después —y superado el propio 2001— el diseño estilizado de Jacobsen sigue produciéndose y vendiéndose. En aquellos cubiertos, sólo una hendidura, un filo o una ligera curva permiten distinguir entre cuchara, tenedor y cuchillo.

Desde entonces, el hotel ha sufrido una renovación completa y, aunque las sillas Egg y Swan siguen dominando el vestíbulo, el resto de los interiores han sido redecorados. La habitación 606 es una excepción. Esta habitación no se ha tocado desde entonces y se encuentra tal y como la diseñó Jacobsen: un pequeño santuario del espíritu del año 60, momento dorado del diseño modernista escandinavo y el año en que el SAS Royal, primer rascacielos de Copenhague, fue terminado.

Detrás de una fachada de los cincuenta se esconde un moderno hotel de lujo. El exterior del rascacielos de cristal puede parecer poco acogedor, pero ofrece al interior una gran cantidad de luz natural, ya que las ventanas se extienden de pared a pared, e incluso dan la vuelta en las esquinas.

Las suites nuevas se encuentran en la vigésima planta y todas tienen una espectacular vista panorámica de la ciudad de Copenhague. Alberto K, el restaurante italiano, también está en la última planta y cuenta con las mismas impresionantes vistas.

En la planta baja el Café Royal ofrece un ambiente informal y el mobiliario de Arne Jacobsen, y, por su parte, el Royal Bar es un salón con bastante sabor a antaño, un ambiente cómodo y tranquilo.

Sin duna este legendario hotel debiera ser visitado por todo aquel que se reconozca enamorado de una época, de un estilo, de un artista como lo fue Jacobsen. Además, por menos de 200 euros la habitación doble podéis alojaros en lo que escribió una parte de la historia del diseño.

ESPACIOS: Mercabarna-Flor

2009-04-22T12:58:00.007+01:00

Mercabarna ha abierto un nuevo edificio para el mercado de flores; Mercabarna-Flor, un mercado innovador de flores, plantas y accesorios para mayoristas. El objetivo del mercado es convertirse en uno de los mercados principales de Cataluña y el resto de España, y una referencia para instalaciones a nivel europeo.

Por fuera mantiene en su fachada la imagen arquetípica de los mercados tradicionales, en la que el techo se convierte en la verdadera protagonista, como un icono de la arquitectura pública.

Una tira de rayas de paneles multicolores corre alrededor de la estructura. La cubierta de zinc y las paredes están cubiertas con motivos geométricos, intentanto a evocar una vista aérea de campos de flores cultivadas.
El techo del mercado consiste en una combinación de pliegues entre el piso, la pared y el techo. Su analogía con una concha le da al edificio un carácter orgánico que se asocia con la actividad y el movimiento que está ocurriendo en el interior.

Dentro del edificio hay tres diferentes mercados de venta de flores, plantas y accesorios. También incluye las oficinas, dos centros de educación de floristería, un espacio de eventos y aparcamientos.

Sitio: Mercabarna, Sant Boi de Llobregat, Barcelona
Ejecución: 2005/2008
Superficie: 15.000 m2
Precio: 9.200.000 euros
Desarrollador: Mercabarna
Arquitectos: WMA - Willy Müller Arquitectos
Fuente: Yatzer

ICON: Tna Design Studio

2009-04-21T15:57:00.003+01:00

Hace unas semanas hablamos de Shin Azumi, que tras disolver la sociedad con Tomoko Azumi, había emprendido su carrera en solitario. Hoy hablamos de la otra parte, Tomoko, quién tras los diez años de asociación con éste, en la primavera de 2005 inauguró Tna Design Studio.

Nacida en Hiroshima en 1966, Tomoko Azumi estudió arquitectura en la universidad de Tokyo y en la actualidad también es profesora en el Royal College of Art y es investigadora de la Universidad Metropolitana de Londres.

Desde su inicio, Tna Design Studio ha sido un equipo de diseño multicultural con su sede en Londres. Tras su fundación ha abarcado diferentes ámbitos del diseño tales como muebles, electrodomésticos, productos eléctricos y de iluminación.

Tna Design Studio, que además trabaja con la exposición y el diseño de interior, cuenta en su plantilla con tres diseñadores más que acompañan a Tomoko Azumi en este proyecto.

Barbara Etter nacida en Suiza, se incorporó en abril de 2005. Tras ella se unió el japonés Yasuyuki Sakurai, en febrero de 2006. Y por último, se añadió otra japonesa, Maiko Tsutsumi, al equipo de diseño de Tna Design Studio.

Además, a sus cuatro años de trayectoria, ha expuesto en infinidad de museos y cuenta con una cartera importante de clientes. Incubadora de nuevos retos y metas, Tna Design Studio tiene como objetivo, mejorar la calidad de vida, su funcionalidad y el paisaje visual.

FOCUS: Ray, de Metalarte.

2009-04-20T12:00:00.005+01:00

Ray es una lámpara de techo creada por la marca Metalarte por el diseñador Jordi Veciana. Una de sus características es su pantalla cónica fabricada en aluminio, disponibles en pulido, lacado blanca, negra o rojo.

En los últimos años la firma ha sido otorgada con merecidísimos reconocimientos, entre ellos uno muy notorio: “El Premio Nacional de diseño”.

Ray demuestra una vez más que la firma y sus diseñadores fetiche son capaces de iluminar nuestras viviendas y negocios con un porto y diseño inmejorable.

La lámpara Ray se comercializa en dos tamaños, para abarcar diferentes necesidades funcionales o decorativas: un tamaño más pequeño y otro bastante más grande para captar toda la atención. Además puede ser equipada con un especial sistema de barra de tracción para su uso más cómodo.

Esta lámpara fue diseñada no solo para alumbrar nuestras salas sino para decorar estancias por si sola.

La puedes conseguir desde unos 170 euros.

OBSESSION: Soutbeach, de Christopher Pillet.

2009-04-19T13:15:00.003+01:00

Southbeach es el producto de la colaboración entre Tacchini y el diseñador francés Christophe Pillet. Un asiento robusto que no abandona la comodidad y que transmite una sensación envolvente, que protege al que se sienta en él. Un diseño que será el punto clave de cualquier lugar en el que se coloque, imponiéndose con mucho carácter.

Lacadas en blanco, negro o en haya decapé, tablillas en madera maciza conforman un respaldo muy peculiar. Enlazadas con anillos de acero niquelado dan una forma redondeada y de aspecto protector.

El asiento y el reposacabezas son en estratificado de abedul con relleno en espuma de poliuretano y revestimiento esta disponible en distintos colores. Adecuado para interiores y exteriores este original asiento dará a tu casa un toque especial.

OBSESSION: Alfombra Zipper

2009-04-19T11:37:00.000+01:00

El diseñador portugués Joao Rolo es el responsable de mi obsession de esta semana. La alfombra Zipper a simple vista no parece que otra alfombra más con un relieve diferente.

Sin embargo, al fijarnos, observamos que su superficie está cubierta por una malla de cremalleras, que colocadas de manera estratégica, consiguen una textura única.

Esta insólita alfombra, fue creada para la marca OAT, líder en la industria de la tapicería en Portugal y con creciente importancia en el mercado extranjero.

Así mismo, la innovadora alfombra Zipper, está disponible en dos colores: purpura y negro.

Originalísimo diseño donde los haya, demuestra como una superficie resistente y sólida puede tener una textura suave y agradable.

OBSESSION: All the luck in the world

2009-04-19T00:13:00.000+01:00

Alltheluckintheworld fue fundado por Jane Schouten y ofrece productos raros y únicos que te alegren la vida. Muchas de las cosas están hechas a mano, siempre muy personales y especiales. Muy oportuno pensando en la situación del mundo y el interes por el eco-design.

TETE A TETE: Geraldine Husson

2009-04-18T09:14:00.000+01:00

A sus casi 26 años, Geraldine Husson es una de las más talentosas diseñadoras de Estrasburgo, Francia. Su diseño abarca tres aspectos que a su vez, relaciona hábilmente: el arte abstracto, la moda y el producto.

Cada uno de estos apartados los podemos distinguir en su web, en la que el estilo de cada uno de ellos hace visible el característico corte geométrico resultado de su estancia en China.

Hace poco concedió una entrevista a Yatzer, y nos ha parecido interesante rescatar algunas de sus preguntas para Trífora.

Descríbete en 5 palabras.

Nací el 26 de abril de 1983 en Mulhouse. Estoy muy dedicada a mi trabajo, trabajo duro y con mucha sensibilidad. Me parece bastante exigente el cumplimiento de la producción de obras de arte que tocan las personas y al instante se explica por sí solas. Para mí ese es mi objetivo y reto diario.

Describe tu profesión.

Mi profesión es un matrimonio entre el arte, el diseño y la arquitectura. Exploro las funciones de los cuerpos humanos, los objetos y el paisaje, algo que realmente me incita a mirar a fondo a través de ello y al abrir, descubrir un pasaje.

Mi búsqueda está controlada a pesar de no querer ser arrastrada hacia un refugio profundo de escepticismo. En mi trabajo, por mucho que profundice siempre hay un posible retorno. Es muy importante que mis creaciones me toquen y me complazcan en primer lugar, es por eso que siempre hay un pedazo de mí en ellos. Éste es mi enfoque personal.

La mayoría de las obras consisten en objetos híbridos que interfieren y se entrecruzan entre los diferentes dominios. La sensibilidad viene a través de una nota poética y confortable. A través de diversas formas, objetos, tejidos y estructuras se crea el nacimiento de los diferentes espacios. La última etapa productiva es cuando el público se involucra con los objetos expuestos y el papel que desempeñan en cada persona. Estas instalaciones te guían a través de todo un espacio interior que invita a moverse mediante un circuito particular. Esto se consigue por la transmisión de fluidos líquidos y estructuras, que expresa mi compromiso psicótico. Después de todo, mi lema es EL ARTE ES VIDA.

¿Cómo empezó todo? ¿Cómo decides realizar tus estudios en China en la Escuela Superior de Arte de la Universidad de Xiamen?

Siempre supe que nací para hacer esto. Durante mis estudios conocí a Hilde Teerlinck quién me aconsejó que saliera mi caja y viajara con el fin de abrir mis ojos y mi mente. Poco después surgió una oportunidad para China, la tomé y me trasladé allí durante cuatro meses con mi pareja. Mi primer profesor en la Universidad de Xiamen me dijo que descubriera la ciudad, conociera gente y aprendiera la cultura aprendiendo sus secretos y aspectos. Esto es exactamente lo que hice y eso me hizo una nueva persona y posteriormente, influyó en mí y en mi trabajo.

¿Afectó tu experiencia China a su mente creativa?

Yo creo que inconscientemente lo ha hecho. Siempre hubo un interés dentro de mí para el arte asiático y esta experiencia me dio la oportunidad de explorarla.

¿Qué te inspira?
Todo. La vida, la naturaleza, las culturas, el amor, la gente, los sentimientos, los viajes.

Muchos de tus productos son portátiles. ¿Es éste el concepto principal detrás de ellos?

La idea principal de estas instalaciones y los objetos es vivir en ellos, a su vez dentro de ellos y crear una relación con las piezas. Así que supongo que la respuesta es sí.

¿Qué significa para ti el espacio?

El espacio, al igual que los objetos que creo, tiene una importancia que está siempre en comparación con otra cosa. Todo tiene una historia y una experiencia única de infinito.

De tu propio trabajo de diseño, ¿con qué proyecto estás más orgullosa?

No es orgullo, sino reconocimiento y una de mis obras de más reconocidas es el vestido ovoide.

Háblenos de sus planes futuros.

Actualmente estoy participando en la colección HAIR para la que he producido corbatas. Después, creo que me gustaría crear una colección completa para una posible futura exposición.

COLLAGE: Feria Internacional del Mueble de Milán 2009.

2009-04-17T11:51:00.004+01:00

Entre el 22 y el 27 de este mes se celebrará, una vez más, el Salón Internacional del Mueble de Milán.
Italia se viste de diseño para recibir una, más que amplia, variedad de artículos que pasan desde objetos de anticuario, hasta piezas de novisísimo diseño y última tecnología.

La innovación, la tecnología, la cultura y las últimas tendencias tienen un espacio anual en la ciudad italiana.

Para que el visitante no se pierda nada las piezas estan ordenadas por tipo: artículos que varían desde lo más innovador hasta lo más antiguo, desde las copias o reproducciones hasta las piezas originales, de lo clásico a lo moderno o, incluso, de lo étnico a la fusión de estilos.

Además la feria no es sólo eso: durante toda la semana se ofrecen eventos colaterales en distintos puntos de la ciudad.

Merece un especial nombramiento el Salone Satellite que, desarrollado dentro del programa de la feria, está dedicado a estudiantes de diseño y arquitectos o jóvenes promesas, siempre menores de 35 años, que quieran participar. Eso sí, unicamente habiendo resibido con antelación una invitación del la Fondazione Cosmit Eventi, organizadora del evento.

VINTAGE: String

2009-04-16T00:13:00.001+01:00

Moderno desde 1949... Las razones de que la estantería String ha sido amado por más de 50 años son varias. Son fáciles de instalar, los estantes se desplazan rápido y hay distintas profundidades que se puede ampliar en todas las direcciones.

El diseño simple y modernista se convirtió rápidamente en un favorito cuando se introdujo en 1949. Lo fantastico es que los estantes siguen siendo tan modernos y queridos hoy en día.

Nisse Strinning, arquitecto que fue uno de los grandes diseñadores en la mitad del siglo pasado, ayudó a crear la reputación internacional de Suecia y allanó el camino para lo que ahora se conoce como Diseño Escandinavo.

También existen dos variantes del String; String Pocket y mi favorito personal String Flex.

String Flex

String Pocket

ESPACIOS: Restaurante Banq

2009-04-15T11:14:00.005+01:00

El restaurante Banq diseñado por Office dA, inc. en 2008 ya cuenta con el premio al mejor nuevo restaurante de parte de la revista Wallpaper. Está situado en la base de la antigua cajas de ahorros Penny, en Boston.

El edificio, data de principios del siglo 20 y durante años estuvo abandonado, hasta ahora. Con Banq se ha conseguido un restaurante de lujo, a partir de un lugar abandonado.

Tras la reconstrucción, se dividió el espacio en dos zonas. El área frontal fue creada para el bar y la parte de atrás, más amplia, para la zona del comedor.

Pero sin duda, lo más interesante de este restaurante es su arquitectura interior única. Su techo tiene un sistema estriado de listones de abedul contrachapado, que además de ocultar la vista de la mecánica, plomería y sistemas de iluminación crea un paisaje precioso.

Así mismo, inspiradas en el árbol Banyan, las columnas del restaurante parecen estar suspendidas del techo con las mismas estrías de abedul, permitiendo que nos situemos en una especie de topografía acogedora.

Además los aspectos funcionales del comedor también son de madera, a base de bambú reciclado, para crear un efecto global.

Un restaurante de aspecto visual único, visita obligada para quienes se lo puedan permitir!

Fotos por: John Horner